KADROWANIE OTWARTE W FILMIE LUB FOTOGRAFII: CHARAKTERYSTYKA, PRZYKŁADY - SZTUKA - 2026

Otwartą klatkę w filmie lub fotografii można zdefiniować jako szerokie ujęcie, którego celem jest przedstawienie nie tylko otoczenia, ale także obiektu lub osoby w nim znajdującej się. W obu sztukach audiowizualnych format ten pojawił się w celu postawienia pewnego dystansu między przedstawieniem a widzem.

W ten sposób można wyrazić, że kadr jest odbiciem fragmentu rzeczywistości, który artysta wybrał do podzielenia się z ludzkością. Należy jednak zauważyć, że każdy autor inaczej postrzega świat empiryczny; Z tego powodu każda eksponowana scena lub obraz będzie transmitować inny komunikat.

W filmie Johna Forda „Centaury z pustyni” zastosowano wiele otwartych klatek. Źródło: wikipedia.org

Tak więc otwarte kadrowanie skupia się na różnorodności perspektyw, ponieważ liczy się nie tylko wizja autora, ale także publiczności, która będzie prezentować różne punkty widzenia, które dostosują się do ich wiedzy i tego, co ich zainspirowało. odsłonięty obraz.

W tym sensie docenia się, że ludzkie oko jest rodzajem aparatu fotograficznego i skupia się na pewnych szczegółach, pomijając inne. Stąd jedną z wad, które wyprowadził ten format pod koniec XIX wieku, a była nią liczba elementów lub istot, które oddziałują na scenę.

Ten aspekt spowodował, że widzowie nie rozumieli portretowanej sceny. Stało się tak, ponieważ umieszczenie tak wielu elementów w tej samej przestrzeni spowodowało, że rama straciła swój jednolity sens. Od tego czasu zaczęto opracowywać nowe techniki, które miały na celu poprawę ogniskowej lub ogólnego uchwycenia.

cechy

Otwarte kadrowanie charakteryzuje się różnymi kodami kompozycji, które mają na celu nadanie konkretnego znaczenia odsłoniętemu elementowi, niezależnie od tego, czy jest to scena statyczna, czy ruchoma. Każdy przedstawiony obraz musi wyrażać jedną lub więcej emocji; celem jest, aby społeczeństwo odrzucało przewidywany scenariusz lub wczuwało się w nie.

Podobnie, ten format obejmuje eksponowanie sceny jako jednostki. Stosując podejście ogólne, artyści zapewniają, że każdy eksponowany element jest spójny i spójny z pozostałymi obiektami, które składają się na opracowany obraz.

Z tego powodu otoczenie i postać muszą być postrzegane w sposób jednorodny, unikając rozproszenia. Aby osiągnąć tę jednorodność, autorzy wykorzystują pewne metody znane jako plany, które mają na celu ustrukturyzowanie sfotografowanej lub grawerowanej ramy. Główne techniki obejmują:

Rama pozioma

Jest to obraz najczęściej używany przez filmowców i fotografów, ponieważ jest używany w celu rozszerzenia obrazu i uspokojenia. Reprezentacje te są zwykle zbalansowane, więc są zwykle używane do rejestrowania krajobrazów lub chwil grupowych. Są to portrety lub reprodukcje, które przekazują harmonię.

Mimo to należy zauważyć, że format ten jest również używany w reklamach, w których zastosowano pojęcie negatywnej przestrzeni.

Technika ta polega na podzieleniu kadru na dwie części: model umieszcza się na jednej krawędzi, a produkt lub przekaz motywacyjny na drugim. Nawet jeśli są podzielone, te portrety należy postrzegać jako całość.

Nachylona rama

Przechylona rama nie jest popularnym ujęciem, ale termin „kadrowanie” wywodzi się z tego, ze względu na pionową pozycję, jaką przyjmuje aparat, gdy ma on uzyskać reprodukcję z góry.

Często jest używany do uchwycenia póz osób uprawiających sporty ekstremalne lub do scen akcji, w których film koncentruje się na drastycznych ruchach.

Strzał z dystansu lub generał

To otwarta rama cieszy się największym uznaniem. Identyfikuje się ją pokazując przestrzeń otoczoną przez tłum lub dużą scenę, na której postacie są zminimalizowane lub dołączają do otoczenia. Pełni rolę opisową, ponieważ ten format stara się wyjaśnić, co dzieje się w szczegółowym miejscu.

Warto wspomnieć, że dzięki ujęciu ogólnemu scena może nabrać wartości dramatycznej, której celem jest podkreślenie samotności lub małości człowieka wobec otoczenia.

Środkowy samolot

Środkowe ujęcie to takie, które obejmuje torsy postaci, a nie ich całe figury. Okazuje się, że takie podejście jest częścią otwartej ramy, ponieważ nie przestaje odsłaniać środowiska, które łączy stan umysłu reprezentowanych istot.

Amerykański samolot

Ramy te pojawiły się w Ameryce Północnej na początku XX wieku. Od samego początku miał na celu zobrazowanie wzajemnych relacji między postaciami fikcyjnymi, dlatego jest używany w większości filmów o kowbojach.

Wyróżnia się w tych scenach, w których bohaterowie mają zamiar rozpocząć konflikt lub rozmowę. Ten samolot charakteryzuje się sugerowaniem twardości.

Przykłady

Należy zwrócić uwagę, że kadrowanie na otwartej przestrzeni to metoda, która wyróżnia się na wszystkich filmach i na niezliczonych fotografiach.

Artyści używają tego formatu w celu przedstawienia faktu, który przekroczył świat lub stworzenia iluzji rzeczywistości w swoich pracach. Poniżej wymienimy kilka prac, w których jest to potwierdzone:

Niemcy

Ta czarno-biała fotografia przedstawia zdewastowaną przestrzeń. Pierwszy plan wystaje na środek pękniętej ulicy; podczas gdy druga przedstawia kobietę leżącą w pozycji embrionalnej.

Widoczna jest tylko dolna część twarzy, ponieważ włosy zakrywają nos i oczy. W ostatniej płaszczyźnie eksponowany jest krajobraz w ruinie, zaimpregnowany kamieniami i gruzem.

Kadr tego portretu jest otwarty, ponieważ jego organizacja jest szeroka, składa się z kilku ujęć, a otoczenie jest związane z duchem kobiety.

Pustynne centaury

Ten film składa się z zestawu otwartych obrazów, ponieważ historia została zarejestrowana w naturalnych przestrzeniach. Sceny są estetyczne i składają się z trzech płaszczyzn.

Celem scenariuszy jest pokazanie ogromu pustyni i zdolności bohaterów do włączenia się w otoczenie.

Bibliografia

1. Agar, J. (2003). Światowa historia fotografii. Pobrane 6 sierpnia 2019 r. Z University of Cambrige: cam.ac.uk
2. Bennet, T. (2009). Ewolucja kadrowania fotograficznego. Pobrane 6 sierpnia 2019 z University of London: London.ac.uk
3. Burke, E. (2018). Fotografia i kino. Pobrane 6 sierpnia 2019 r. Z University of Louisville: louisville.edu
4. Castellanos, P. (2014). Świetlik nieskończoności: pamięć o kinie. Pobrane 6 sierpnia 2019 r.z Biblioteki Narodowej Hiszpanii: bne.es
5. Durán, R. (2019). Czas obrazu. Pobrane 6 sierpnia 2019 z Art Academy: madridacademiadearte.com
6. Flusser, V. (2017). Otwarte kadrowanie. Pobrane 6 sierpnia 2019 r. Z Barcelona Academy of Art: academyofartbarcelona.com
7. Gutiérrez, P. (2016). Kadrowanie fotograficzne rozumiane jako proces. Pobrane 6 sierpnia 2019 z National Institute of Fine Arts: enba.edu.uy