SZTUKA ABSTRAKCYJNA: HISTORIA, CHARAKTERYSTYKA, MALARSTWO - SZTUKA - 2025

Streszczenie sztuka jest każda forma sztuki, która odrywa się od jakiejkolwiek rzeczywistej reprezentacji, w celu stworzenia zupełnie inną przestrzeń do naturalnego. To poczucie abstrakcji uzyskuje się dzięki zastosowaniu różnych geometrycznych kształtów, a także punktów, linii i czystych kolorów.

Abstrakcjonizm jako nurt artystyczny nazywany jest również sztuką niefiguratywną; Oznacza to, że styl ten nie ma kontaktu z tradycyjną sztuką reprezentacyjną. Mimo to dystans od rzeczywistości nie oznacza jej zaprzeczenia, ale raczej proponuje opozycję lub kontrast.

Jeździec, Wassily Kandinsky, 1911

Zdaniem koneserów, aby zrozumieć sztukę abstrakcyjną, trzeba umieć odróżnić figurację od abstrakcji, ponieważ są to pojęcia całkowicie przeciwne. Z tego powodu przy przyswajaniu tych artystycznych pojęć łatwo jest odróżnić dzieło abstrakcyjne od figuratywnego.

Abstrakcja i figuracja

Zjawisko abstrakcji przejawia się wtedy, gdy nie jest możliwe skojarzenie tworzonego elementu z jakimkolwiek istniejącym w rzeczywistości elementem.

Na przykład, jeśli zdjęcie drzewa zostanie zrobione i zostanie zamazane lub zmodyfikowane, tej artystycznej gry nie można uznać za abstrakcję, ponieważ obraz nadal zachowuje istotę pierwotnej figury; to znaczy, pozostaje przenośny.

Z drugiej strony obrazy, które nie mają żadnego rzeczywistego odniesienia, można traktować jako abstrakcję. W dziedzinie sztuki abstrakcyjnej istnieje kilka aspektów, takich jak abstrakcja geometryczna, formalizm i abstrakcja ekspresjonistyczna. Jednak wszystkie są ze sobą powiązane pod względem braku rzeczywistego odniesienia.

Tych postaci związanych ze snami również nie można uznać za abstrakcję, gdyż mimo że obrazy surrealistyczne mogą pojawiać się w snach i koszmarach (np. Jednorożec), to wciąż zachowuje odniesienia, które można znaleźć w rzeczywistości (w przypadku jednorożec, to koń z rogiem).

Odległość od figuratywnego świata

Abstrakcjonizm radykalnie zmienił świat artystyczny, bo przed tym wydarzeniem sztuka pozostawała pod kuratelą figuracji, mimo że w XIX i XX wieku forma zaczęła się rozmywać przez inne nurty, jak na przykład impresjonizm. , Postimpresjonizm i kubizm.

Od czasu, gdy człowiek malował w jaskiniach, sztuka pozostawała dążeniem do reprezentowania rzeczywistości.

Aż do XX wieku artysta nie potrafił oderwać się od otoczenia i kontekstu, dlatego sztuka abstrakcyjna pozwoliła na otwarcie w episteme historycznego momentu, który dążył do wielkich przemian społecznych i estetycznej odnowy.

Z muzyką można kojarzyć abstrakcję, ponieważ dźwięki nie mogą być figuratywne (pomimo nomenklatury muzycznej). Kolory i kształty są również abstrakcyjne, oferując szeroki wachlarz możliwości, które niekoniecznie muszą mieć prawdziwego nadawcę.

Pochodzenie i historia

Sztuka abstrakcyjna ma swoje korzenie we wcześniejszych ruchach, takich jak kubizm i fowizm; jest jednak w szczególności jeden obraz, który posłużył jako punkt wyjścia do oddzielenia przedstawiania rzeczywistych przedmiotów od wizualnej percepcji kolorów.

Ta praca należy do malarza Jamesa McNeilla Whistlera i nosi tytuł Night in Black and Gold: The Falling Rocket. Na tym obrazie z 1874 roku można zobaczyć gamę ciemnych kolorów i trudno jest bezpośrednio znaleźć ludzkie formy lub konstrukcje architektoniczne.

Łatwo docenić pociągnięcia pędzla światła i cienia, a także złote punkty, które wydają się przywoływać pokaz sztucznych ogni.

Wpływ kubizmu, ekspresjonizmu i fowizmu

Wraz z pojawieniem się prac Pabla Picassa i Georges'a Braque'a, pozwolono na mocne wejście do geometrycznych form i płaskich kolorów. Podobnie Paul Cézanne również odważył się stworzyć alternatywną rzeczywistość; to znaczy pracował nad rekonstrukcją figuratywności.

Z kolei ekspresjoniści podjęli się wykorzystania - nawet w groteskowy sposób - intensywności palety barw i kształtów. Jego obrazy są postrzegane przez krytyków jako przepełnienie pasji, które ujawniły się w reakcyjny sposób przed okresem wielkiej konsternacji społecznej.

Podobnie praca taka jak Krzyk Edwarda Muncha jest niezbędna dla rozwoju tego, co później stało się abstrakcyjną lub nie figuratywną sztuką XX wieku. Uwzględniono również obraz „Wjazd Chrystusa do Brukseli” Jamesa Ensora.

Inni wielcy przedstawiciele awangardy, tacy jak Paul Gauguin, Henri Matisse i Georges Seurat, są uważani za kluczową inspirację dla tego, który później stał się największym przedstawicielem abstrakcjonizmu, Wasilijem Kandinskim.

Wynika to z faktu, że język surowego koloru, wraz z różnymi pociągnięciami pędzla, silnie wpłynął na słynnego pioniera.

Od Baudelaire'a do Mallarmégo: spróbuj zdystansować się od desygnatu

W świecie pisarstwa rodziły się też różne ruchy mające na celu zerwanie z ustalonymi i zakończenie wszelkich realnych odniesień. W dziedzinie liter ten rozdział był nieco trudniejszy, gdyż w ludzkim umyśle słowa zawsze będą szukały oparcia w swoim desygnacie.

Jednak poeci ci osiągnęli połączenie z wnętrzem formy poprzez akustyczny obraz słowa, odrywając się od pojęcia, do którego się odnosi.

Wielki współczesny poeta Charles Baudelaire był odpowiedzialny za zasianie ziaren idei, że wszystkie zmysły reagują na określone bodźce artystyczne, ponieważ łączy je głęboki poziom estetyczny, który znajduje się w podświadomości człowieka.

Innymi słowy, wszystkie sztuki mają zdolność wzbudzania pewnych wrażeń w oku, uchu i umyśle osoby, która je dostrzega, bez konieczności reagowania na rzeczywisty desygnat.

Podobnie znani francuscy poeci, tacy jak Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud i Guillaume Apollinaire, próbowali zdystansować się od formy referencyjnej, aby skupić się na przyjemności brzmienia słów i na tym, co mogą wywołać w czytelniku bez konieczności odwoływania się do pojęcie.

Oznacza to, że chodzi o modyfikację struktury mentalnej czytelnika, tak aby oderwał się od ustalonych parametrów i ośmielił się łączyć i tworzyć różne doznania poprzez dźwięk sylab. Dlatego jest to abstrakcja w pisaniu.

Akwarele muzyczne Claude'a Debussy'ego

Jako muzyczny poprzednik tego, co później było sztuką abstrakcyjną, jest wielki kompozytor Claude Debussy, którego utwory zdawały się naśladować pociągnięcia pędzla impresjonistów i postimpresjonistów.

W ten sam sposób kompozytor ten jest również związany z ruchem symbolistów, gdyż jego notatki składały się z silnego ładunku alegorycznego, któremu z kolei towarzyszyły wyraźne wpływy orientalne.

Oznacza to, że dla muzyków takich jak Debussy czy Erik Satie przedmioty, które obserwuje się w życiu codziennym, są jedynie symbolami reagującymi na znacznie głębszą rzeczywistość, która objawia się człowiekowi poprzez dźwięk, któremu towarzyszy kolor i ruch. .

Charakterystyka sztuki abstrakcyjnej

Stara się uchwycić esencję

Ruch abstrakcyjny, choć ma różne aspekty, charakteryzuje się przede wszystkim poszukiwaniem pierwotnej istoty przedmiotów.

Dlatego sztuka abstrakcyjna stara się uchwycić w swoich artystycznych przejawach eksplorację świadomości i nieświadomości na jej najczystszych poziomach.

Wolność

Inną z jego głównych cech jest swoboda stosowania technik i elementów oraz znaczenie tych zasobów.

Na przykład dotyczy to wyraźnie pola kolorów: kolory mają swoją własną ekspresję artystyczną, bez konieczności odwoływania się do prawdziwej koncepcji.

Brak prawdziwych form

Abstrakcjonizmowi brakuje prawdziwych form; używane są tylko figury geometryczne, ponieważ jest to styl odwołujący się do totalizującej prostoty formy.

Obraz

-Vasili Kandinsky

Dla wielu krytyków sztuka abstrakcyjna zaczyna się od prac Wasilija Kandinskiego; Należy jednak zauważyć, że w 1910 roku niektóre francuskie marmury z żyłkami stały się sławne, co można uznać za początek abstrakcji.

Jednak zdaniem koneserów znaczenie Kandinsky'ego w historii sztuki jest niezaprzeczalne. Malarz ten posiadał dziedzictwo orientalnej krwi, z której czerpał inspirację w swoich pracach.

Ponadto ten sam artysta przyznał się, że inspirował się mitycznymi katedrami Moskwy; Według niego na kolorową architekturę miasta złożyły się artystyczne zderzenia w wyglądzie zewnętrznym, które odzwierciedlały harmonijną estetykę i kulturę wnętrza.

W swojej pracy artystycznej Kandinsky opowiadał się za poszukiwaniem pierwotnej istoty formy. Z tego powodu jego twórczość można podsumować trzema słowami: kolor, percepcja i doznania.

W konsekwencji można stwierdzić, że sztuka abstrakcyjna jest ustępstwem, które zakłada mistyczny stan absolutu; to znaczy, jest oddana ciągłej ewolucji ideologicznej i filozoficznej.

Jeździec - Wasilij Kandinsky

Pierwsza abstrakcyjna akwarela

Aby osiągnąć estetyczną całość tych trzech założeń, autorka promowała stosowanie podstawowych elementów plastycznych, takich jak punkt - podstawowy element dzieła malarskiego -, linia, płaszczyzna i kolor.

Poprzez skojarzenia i powiązania między tymi elementami uzyskał nowe i odmienne postrzeganie lub odczucia dla ludzkiego oka.

Biorąc to pod uwagę, można powiedzieć, że sztuka abstrakcyjna narodziła się w 1910 roku wraz z pierwszą abstrakcyjną akwarelą autorstwa Kandinsky'ego. Na tym obrazie można zobaczyć kolorowe formy, linie i plastyczne wartości bez skojarzeń z rzeczywistością; Innymi słowy, jest to dzieło złożone z elementów niefiguratywnych.

Dodatkowo, jeśli oglądający przyjrzy się bliżej tej pracy, może dostrzec, że obraz składa się głównie z kolorów podstawowych i wtórnych, głównie niebieskiego i czerwonego. Wyróżniają się również pociągnięcia pędzla o szarych tonach, co kontrastuje z żywością pozostałych kolorów.

Kandinsky streszczenie akwarela

-Piet Mondrian

Ten znany holenderski malarz nie specjalizował się w swoich początkach w abstrakcjonizmie, ale najpierw pracował nad innymi stylami, takimi jak naturalizm i symbolizm. Pomimo wielości stylów, jego sztuki plastyczne pozostawały pod wpływem studiów filozoficznych i duchowych.

W poszukiwaniu istotnej istoty rzeczy Mondrian bawił się w szczególny sposób abstrakcją geometryczną, aby znaleźć w swoich obrazach podstawową strukturę wszechświata.

Z tego powodu jego prace oznaczane są głównie przez kolor biały - który ze względu na całkowitą obecność światła i wszystkich kolorów uważany jest za „bezbarwny” ​​- oraz kolor czarny, również uważany za „nie- kolor ”ze względu na całkowity brak światła i obecność wszystkich kolorów.

Jednym z jego najsłynniejszych dzieł, również związanych z architekturą abstrakcyjną, jest obraz pt. „Kompozycja w czerwieni, żółci, błękitu i czerni”, który wykonał w 1921 roku.

Na tym widać serię prostokątnych figur o różnych rozmiarach i kolorach; Jednak paleta jest dość podstawowa i pierwotna: jak sama nazwa wskazuje, to kolory czerwony, żółty, niebieski i czarny mogą przypominać obrazy ekspresjonisty Marka Rothko.

Kompozycja w kolorze czerwonym, żółtym, niebieskim i czarnym autorstwa Piet Mondrian

Rzeźba

Rzeźba nie była daleko w tyle w ruchu abstrakcyjnym; w rzeczywistości wprowadził nowość w stylu: trójwymiarowość. Stało się tak, ponieważ w malarstwie abstrakcyjnym figury są zawsze płaskie, podczas gdy w rzeźbie promowana jest głębia formy.

-Henry Moore

Jednym z jego głównych przedstawicieli był brytyjski rzeźbiarz Henry Moore, którego monochromatyczne postacie wydają się poruszać i zachowywać delikatną romantyczną i wiktoriańską inspirację, według tego samego artysty.

Moore przyznał się również, że był pod wpływem wielkich artystów renesansu, takich jak Giotto, Michelangelo i Giovanni Pisano. Ponadto autor był zdumiony formą przedkolumbijskich rzeźb Tolteków i Majów.

Jego liczne abstrakcyjne formy zostały wyrzeźbione głównie w marmurze i brązie. Na początku swojej kariery Moore zastosował bezpośredni carving; Jednak w latach czterdziestych XX wieku rzeźbiarz zdecydował się zacząć od formowania gipsu lub gliny, a także zastosował tradycyjną i starożytną formowanie „traconego wosku”.

Fale

Główną cechą jego rzeźb jest wykorzystanie falistych form i pustych przestrzeni, inspirację, którą według krytyków czerpał z krajobrazów angielskiego hrabstwa Yorkshire, jego rodzinnej ziemi.

Mimo że malarstwo abstrakcyjne postuluje eliminację figuratywności, w pracach Henry'ego Moore'a można dostrzec abstrakcje, które nie są całkowicie oderwane od postaci ludzkiej. Możesz nawet rozróżnić reprezentację kobiecego ciała i postaci matki.

Jedna z najbardziej znanych prac Moore'a nosi tytuł Three Way Piece No. 2, która znajduje się w Toronto City Hall Plaza i została wykonana w 1964 roku.

Ta monochromatyczna rzeźba rzeźbiarska jest jedną z tych, które najlepiej wpisują się w zasady abstrakcji, ponieważ jej kształtu nie można bezpośrednio powiązać z żadnym rzeczywistym odniesieniem.

Three Way Piece nr 2 (The Archer) (1964-65) Toronto City Hall Plaza

-Richard Serra

Innym wielkim przedstawicielem rzeźby abstrakcyjnej jest znany artysta plastyk Richard Serra, obywatel amerykański. Ten wciąż żyjący artysta jest przez krytyków uznawany za jednego z najlepszych rzeźbiarzy naszych czasów.

Serra to rzeźbiarz o minimalistycznym charakterze, który woli pracować z ogromnymi kawałkami platynowej stali, co sprawia, że ​​jego prace estetyczne są bardziej godne podziwu.

Pierwszy etap artysty najlepiej odpowiada abstrakcyjnym ideałom, do których wykorzystywał głównie roztopiony materiał ołowiu.

Prace stalowe

Znany jest również z wykonywania dużych prostokątnych konstrukcji stalowych. Jednym z najbardziej znanych jest tak zwany Łuk Pochylony, który ma 3,5 metra wysokości i ma sugestywną i subtelną krzywiznę. Tę rzeźbę można dziś zobaczyć na Federal Plaza w Nowym Jorku.

Inną abstrakcyjną rzeźbą wysoko cenioną przez krytyków artystycznych jest Snake, która składa się z trzech warstw stali, które również mają krzywiznę (krzywe w geometrycznych kształtach są najbardziej reprezentatywnymi cechami tego artysty). Praca znajduje się w Muzeum Guggenheima w Bilbao.

Jedno z najbardziej rozpoznawalnych i najlepiej wykonanych dzieł Serry nosi tytuł The Matter of Time, na które składa się siedem niezwykłych dużych rzeźb wykonanych z ulubionego materiału artystki: stali corten.

Figury te składają się w całości z okrągłych i skośnych kształtów, co przypomina kształty natury oraz okrągły i zwodniczy charakter czasu jako konstrukcji ludzkiej.

Łuk nachylony

Architektura

W XX wieku poszukiwanie istoty i prymitywnych form przejawiało się także w dyscyplinie architektonicznej. Z tego powodu w architekturze abstrakcyjnej dominują figury geometryczne i płaskie, również prowadzone w stylu minimalistycznym.

Jednocześnie architektura należąca do tego estetycznego stylu stara się zbliżyć do prawdziwej wartości formy, odrywając ją od chaosu i arbitralności codziennej rzeczywistości. W ramach tych elementów, dzieło architektoniczne jest inspirowane naturą, ale coraz częściej pojawia się w poszukiwaniu prostoty artystycznego ducha.

W architekturze konieczne jest dostosowanie zasad abstrakcji obrazkowej, ponieważ podobnie jak rzeźba wymaga trójwymiarowej realizacji formy. Ponadto artysta przed wykonaniem infrastruktury musi zadać sobie pytanie, czy forma, którą chce stworzyć, może być zrealizowana w konkretnej rzeczywistości.

Ogólnie architektura abstrakcyjna składa się z dużych prostokątnych okien, a także z prostych i solidnych kwadratowych kształtów.

-Mies van der Rohe

Jednym z najbardziej znanych architektów abstrakcyjnych jest niemiecko-amerykański Mies van der Rohe, który przeszedł do historii jako jeden z najważniejszych artystów nowoczesnej architektury. Był dyrektorem znanej niemieckiej szkoły Bauhaus; jednak musiał opuścić urząd ze względu na nadejście nazizmu.

Jego architektura jest znana z prostoty i przejrzystości, cech charakterystycznych bardzo typowych dla abstrakcjonizmu. Ponadto preferowanymi materiałami artysty była stal przemysłowa i niezwykłe tafle szkła, które wykorzystał do wykonania wnętrz fasady.

Jedno z jego najsłynniejszych dzieł znajduje się w Barcelonie i nosi nazwę pawilonu niemieckiego, ukończonego w 1929 roku. Jego architektura składa się z prostych figur geometrycznych i zwraca uwagę niewielkimi rozmiarami. Składa się z wolnej rośliny i utrzymuje znaczące wpływy nowotworowe.

Niemiecki Pabello. Autor: Tassilirosmar, źródło Wikimedia Commons

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld był uznanym artystą plastycznym, który miał różne oblicza, ponieważ wyróżniał się nie tylko architekturą, ale także stolarką i projektowaniem. Jego projekty naczyń, takie jak Czerwone i Niebieskie Krzesło z 1918 r., Wskazują na nowoczesny i geometryczny charakter jako element typowy dla tamtych czasów.

Jego najsłynniejszym dziełem architektonicznym i najbardziej zbliżonym do abstrakcyjnej estetyki jest tak zwany Dom Rietvelda Schrödera, który został zbudowany w 1924 roku. Dziś miejsce to służy jako muzeum.

Jeśli chodzi o jego charakterystykę, zarówno wnętrze, jak i strona zewnętrzna domu oznaczają zmianę przy wszystkich poprzednich parametrach architektonicznych; stąd znaczenie pracy.

W domu nie ma pokoi, jest tylko szeroko otwarta przestrzeń. Fasada zewnętrzna składa się z linii i płaszczyzn, rozmieszczonych i pokolorowanych, aby stworzyć coś innego.

Rietveld Schröderhuis. Basvb, źródło Wikimedia Commons

Muzyka

Jak wspomniano w pierwszych akapitach, należy pamiętać, że sama muzyka jest abstrakcyjna, ponieważ nie może być figuratywna, mimo że ma symboliczną nomenklaturę partytur.

Dlatego muzyka abstrakcyjna nie może istnieć jako ruch artystyczny. Istnieje jednak styl muzyczny znany pod nazwą muzyki absolutnej, na który składają się te utwory muzyczne, które nie mają żadnych dodatkowych muzycznych dodatków; to znaczy, że nie są połączone z żadnym tekstem.

Innymi słowy, w muzyce absolutnej brakuje poezji i tekstów, jest to kompozycja jedynie instrumentalna; dlatego wszelką muzykę pozbawioną liryki można uznać za należącą do tego gatunku. Niektóre przykłady można znaleźć w sonatach, w symfoniach lub na koncercie.

W XX wieku było kilku kompozytorów, którzy wyróżnili się swoimi muzycznymi innowacjami artystycznymi i którzy zbiegli się z początkami abstrakcjonizmu. Do najwybitniejszych należą Igor Strawiński i Maurice Ravel.

-Igor Strawiński

Strawiński był narodowym rosyjskim dyrygentem i kompozytorem, uważanym za jednego z najlepszych muzyków XX wieku. Ponieważ dożył 89 lat, miał okazję zgłębiać różne muzyczne aspekty; jednak najbardziej rozpoznawalnymi jego pracami były te, które powstały w pierwszych latach kariery artystycznej.

Jedna z jego najbardziej uznanych kompozycji nosi tytuł The Firebird, balet, którego premiera odbyła się po raz pierwszy w 1910 roku w Paryżu.

-Maurice Ravel

Podobnie jak Claude Debussy, ten wybitny francuski kompozytor wyróżniał się tzw. Muzyką impresjonistyczną, która charakteryzuje się wpływami orientalnymi i ewokacją kolorów poprzez dźwięki. Ravel zachowała także cechy ekspresjonizmu i neoklasycyzmu.

Muzyk ten jest ceniony za różnorodne dzieła, a jednym z jego najczęściej wykonywanych utworów jest Bolero, którego premiera odbyła się w Paryżu w 1928 roku; od tego momentu sukces tej kompozycji był ogromny i uniwersalny. Jego ruch orkiestrowy inspirowany jest gorącym hiszpańskim tańcem, bardzo popularnym w tamtych czasach.

Bibliografia

1. Block, C. (sf) Historia sztuki abstrakcyjnej (1900-1960). Pobrane 27 października 2018 z Uniwersytetu ICESI: ftp.icesi.edu.co
2. Sempere, E. (sf) Sztuka abstrakcyjna: geometria i ruch. Pobrane 27 października 2018 r. Z Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: museoreinasofia.es
3. Cardoza, L. (sf) Abstrakcjonizm. Pobrane 27 października 2018 z magazynu UNAM: revistadelauniversidad.unam
4. Mascarell, F. (2014) Malarstwo i abstrakcja. Pobrane 27 października 2018 r. Z Politechniki w Walencji: riunet.upv.es
5. Schapiro, M. (1937) Natura sztuki abstrakcyjnej. Pobrane 27 października 2018 z Timothy Quiggley: timothyquigley.ne