BAROK: HISTORIA, CHARAKTERYSTYKA I SZTUKA (ARCHITEKTURA, MALARSTWO) - SZTUKA - 2025

Barok był artystyczny i myśl ruch z XVII wieku, które symbolizuje zdecydowane zmiany w obrębie form ludzkiej wiedzy. Oznaczało to zdystansowanie się od idei renesansu i podejmowanie religijnych niuansów średniowiecza; Zrobił to z własnej perspektywy, dodając elementy, które przewidywały nadejście Nowoczesności.

Zrozumienie baroku jako episteme całej epoki było trudne dla badaczy i historyków, ponieważ w całej historii koncepcja ta była pełna nieścisłości i nieporozumień. Jednak bibliografia dotycząca baroku rośnie z biegiem lat, co pozwala wykorzenić dawne nieporozumienia.

Bazylika San Pedro jest jednym z reprezentatywnych dzieł baroku. Źródło: pixabay.com

Barok był tak masowym ruchem, że rozszerzył swoje domeny poza sztuki plastyczne, ponieważ jego nakazy i ideały można znaleźć w dziedzinie literackiej i muzycznej; na przykład Tasso jest uważany przez niektórych za poetę barokowego, a Bach za najbardziej reprezentatywną i wpływową postać muzyki barokowej.

Podobnie jednym z aspektów charakteryzujących barok jako ruch artystyczny było to, że był on wynikiem i wyrazem głębokiego kryzysu duchowego i moralnego, który został wywołany przez dekompozycję wartości renesansowych.

Oznacza to, że już w XVII wieku światopogląd człowieka renesansu rozprzestrzenił się nieodwracalnie, więc barok oznaczał poszukiwanie na nowo tej syntezy i utraconego wcześniej światopoglądu, ale poprzez przesadę i głęboki zapał religijny. który dał przebłysk egzystencjalnej pustki całej epoki.

Pomimo zerwania z ideałami renesansu i braku całości, barok był formą wiedzy specjalnej, o ile pozwalał na wprowadzenie złowieszczej nowości; Ruch ten symbolizował wzrost, propagację szeregu artystycznych sił, które praktykowały dostatek, przesadę i ogrom.

Znaczenie baroku było tak wielkie, że w naszych czasach wciąż istnieją poeci, malarze i inni artyści, którzy próbują skopiować i uchwycić ten styl, który całkowicie naznaczył nie tylko pewien czas, ale także kilka pokoleń z późniejszych okresów, którzy szukali manifestacji bardzo różne artystyczne.

Pochodzenie i historia

Etymologia

Na temat etymologii słowa „barok” powstały niezliczone teorie: niektórzy twierdzą, że pochodzi od nazwiska malarza Federico Barocciego , choć broniona jest również hipoteza, że ​​definicja ta pochodzi od słowa barocchio, które po włosku odnosi się do oszustwa i lichwa.

Jedną z najczęstszych hipotez była ta, która głosiła, że ​​„barok” pochodzi od słowa baroco, które było używane w logice scholastycznej do określenia sylogizmu, którego główna przesłanka jest twierdząca i uniwersalna, podczas gdy mniejsza jest partykularna i negatywna.

Oznacza to, że w ramach tej hipotezy słowo „barok” odnosi się do tego, co uniwersalne i dobre (nasycone silnym religijnym niuansem). Ta perspektywa była broniona przez wybitnych uczonych, takich jak Carlo Calcaterra i Benedetto Croce.

Podobnie słowo barok zyskało pejoratywny termin ukuty przez humanistyczne sektory należące do renesansu, które gardziły logiką scholastyczną, argumentując, że ich rozumowanie jest absurdalne i śmieszne. Dlatego kłótnia w baroku oznaczała fałszywy lub przebiegły pomysł.

Później wyrażenie to zostało przeniesione do świata sztuki, aby nazwać nowy styl, który w oczach konwencjonalnych humanistów był śmieszny i fałszywy.

Nieregularna perła

Poprzednia hipoteza - choć dobrze broniona i argumentowana - mogła być zastosowana tylko do niektórych części Włoch, ponieważ nie pasowała do innych regionów europejskich, takich jak Francja, Hiszpania i Portugalia; stąd też stwierdzono, że termin „barok” pochodzi raczej z języka portugalskiego, w którym używano go do określenia perły o nieregularnym kształcie.

Uważa się, że „barok” pochodzi od łacińskiego słowa verruca, określającego niewielkie wzniesienie terenu. Było też związane z kamieniami szlachetnymi. Wiadomo również, że podczas ekspansji morskiej Portugalczycy zajmowali się handlem perłami na całym Oceanie Indyjskim.

Podczas wydobywania pereł w pobliżu Barokii, w mieście Guzarate, Portugalczycy zdali sobie sprawę, że okazy o nieregularnym kształcie są liczne; w związku z tym na określenie tych pereł z tego miejsca ukuto pejoratywny termin.

W ten sposób do określenia tych nieregularnych i nieczystych pereł użyto już istniejącego w języku portugalskim terminu „barok”.

Wprowadzenie terminu w sztuce

Od połowy XVIII wieku wielcy myśliciele epoki oświecenia zaczęli używać terminu „barok”.

Na przykład Rousseau wprowadził ten termin w swoim Lettre sur la musique francaise, w którym nazwał włoską muzykę pod tą nazwą. Ze swojej strony Charles de Brosses użył terminu „barok” do określenia niektórych przedmiotów ze złota i srebra, takich jak pudełka czy skrzynie.

Kiedy termin ten został przeniesiony do architektury, był używany w odniesieniu do form ekstrawaganckich i śmiesznych. Dlatego architekturę barokową uznano za sztukę bezwartościową, skazaną za oderwanie od klasycznego ideału regularności i równowagi.

Definicja ta, choć pełna mocno uwłaczającego charakteru, pozwoliła otworzyć drogę do pojęcia „baroku” odnoszącego się do całego stylu artystycznego, który rozwinął się głównie w XVII wieku.

Począwszy od XIX wieku, barok został uratowany ze względu na jego niezrozumiałe piękno i znaczenie, jakie miał dla różnych okresów sztuki zachodniej.

Charakterystyka baroku

W 1915 r. Urodzony w Szwajcarii krytyk sztuki Enrique Wölfflin opublikował tekst znany jako Fundamentalne zasady historii sztuki, który jest niezbędny do zrozumienia baroku jako ruchu artystycznego i filozoficznego.

W tej pracy Wölfflin argumentował, że barok narodził się jako styl rozwinięty z klasycyzmu renesansu; jednak zdystansował się od niej, aby podążać własnym prądem. W ten sposób, w wyniku przemian między jednym ruchem artystycznym a drugim, można ustalić następujące cechy:

Przejście od linearnego do obrazowego

Źródło: Halley Pacheco de Oliveira

W epoce renesansu w sztukach plastycznych panował linearny charakter, który energicznie rozgraniczał obiekty zarówno na płaszczyźnie malarskiej, rzeźbiarskiej, jak i architektonicznej. To nadało temu stylistycznemu ruchowi wyczuwalną jakość w obrębie konturów i płaszczyzn.

Wręcz przeciwnie, barok charakteryzował pogarda dla linii jako elementu ograniczającego przedmioty.

W konsekwencji ten ruch doprowadził do zamętu rzeczy; odbiorca musi wyrzec się wrażeń dotykowych, ponieważ styl ten odwoływał się do waloryzacji koloru ponad wszystkie inne aspekty.

Przejście od widzenia powierzchniowego do głębi

Źródło: Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato

W okresie renesansu, zgodnie z wartością przypisaną linii, elementy kompozycji nakładano na powierzchnię. W sztuce baroku, gardząc konturami i liniami, pogardzano także powierzchnią.

Oznacza to, że elementami rządziła optyka głębi. Z tego powodu często obserwuje się (w płaszczyźnie obrazkowej) postacie ludzkie, które nie mają naturalnego tła, ponieważ docenia się wokół nich dużą ciemną masę.

Zmień formę z zamkniętej na otwartą

Źródło: José Luis Filpo Cabana

W renesansie twórczość artystyczna stawiała na doskonale odgraniczoną zamkniętą całość. Wręcz przeciwnie, barok starał się „rozluźnić reguły” i dystansował się od rygorów konstrukcyjnych.

Ponadto barok charakteryzował się przeciwstawieniem się delimitacji całości, dystansowaniem się od rygorystycznej symetrii form: wprowadzał napięcia kompozycyjne. Ten ruch artystyczny odwoływał się do niestabilności dzieła.

Przejdź od wielości do jedności

Źródło: Antonio de Pereda

W renesansie każda z części miała swoją wartość, koordynując ją na płaszczyźnie artystycznej. W sztuce baroku jedność została zaproponowana z połączenia części w jeden motyw, całkowicie podporządkowując różne części głównego elementu.

Innymi słowy, w baroku istnieje główna postać, od której zależą pozostałe obiekty.

Przejście od absolutnej przejrzystości do względnej przejrzystości obiektów

Źródło: Antonio de Pereda

Wcześniej obiekty - zgodnie ze swoim linearnym charakterem w przedstawieniu - posiadały plastyczność, która nadawała wyrazistości kompozycji.

W wytycznych barokowych światło i kolor nie definiują form ani nie podkreślają najważniejszych elementów. Podsumowując, w baroku światło i kolor żyją własnym życiem i nie są zdane na łaskę postaci.

To przesadna sztuka

Źródło: Jlminchole

Artyści baroku bawili się nierównowagą i próbowali zaimponować obserwującym formami dramatycznymi i dynamicznymi. Wyróżnia go zniekształcenie klasycznych form, kontrasty światła i cienia.

Barok był ruchem sprzeciwiającym się sztuce renesansu i klasycyzmu. Jej przesadny charakter znajduje odzwierciedlenie w nadmiernie zdobionej architekturze. Na przykład Bazylika św. Piotra w Rzymie zaprojektowana przez Gian Lorenzo Berniniego.

Sztuka typu synkretycznego

Źródło: Halleypo

Barokowe przejawy kulturowe były synkretyczne w tym sensie, że każdy wyraz artystyczny był powiązany z innymi.

Architektura była ściśle związana z malarstwem i rzeźbą. Także muzyka, taniec i teatr, których zbieżność stworzyła operę. W innych czasach cechy każdego rodzaju sztuki były od siebie bardziej niezależne.

Koniec propagandy

Źródło: Luis Miguel Bugallo Sánchez (Lmbuga)

Absolutyzm, Kościół i burżuazja wykorzystali sztukę barokową do promowania swoich idei. W odpowiedzi barokowi artyści podzielili się na tych, którzy pracowali dla kościoła lub dla monarchy i tych, którzy chcieli być niezależni.

W konsekwencji tematy poruszane przez każdego z artystów były inne. Kościół ze swej strony chciał promować swoją doktrynę i pokazać, że kontrreformacja przynosi owoce i że Kościół katolicki nie został pokonany.

W tej linii monarchowie chcieli pokazać, że ich władza jest absolutna. Dzięki temu rozwinęło się malarstwo, zwłaszcza gatunek portretowy.

Wreszcie byli artyści niezależni, którzy mieszkali głównie w Holandii i Niemczech. Jego prace ukazały codzienne życie burżuazji. Na przykład prace Johannesa Vermeera, takie jak Dziewczyna czytająca list czy Dziewczyna z perłą.

Dzięki „polityce kulturalnej” tych grup władzy epoka baroku przeżywała rozkwit mecenatu kościelnego, monarchicznego i arystokratycznego. Sztuka stała się popularna i powstało wiele szkół artystycznych, takich jak Académie Royale d'Art w Paryżu w 1648 r. I Akademie der Künste w Berlinie w 1696 r.

Tenebrizm

To kontrast świateł i cieni dzięki oświetleniu. Chociaż koncepcja ta odnosi się głównie do malarstwa barokowego, można powiedzieć, że teatr barokowy, rzeźba i inne gatunki przedstawień wizualnych były pod wpływem tej zabawy z oświetleniem.

Trudności Sześciu Wskazań Wölfflina

Chociaż cechy Wölfflina są uważane za obowiązkowe, aby zrozumieć przejście od jednego ruchu artystycznego do drugiego, niektórzy krytycy uważają, że autor ten miał kilka wad w swoich wypowiedziach, ponieważ nie wziął pod uwagę czynników kulturowych, duchowych i socjologicznych, które wpłynęły na zmianę epistemologiczną. .

Ponadto Wölfflin nie wziął pod uwagę, że między renesansem a barokiem pojawił się inny ruch, który jest dziś znany jako manieryzm; jako okres przejściowy ma wiele cech najwcześniejszego baroku.

Barok był tak ważny w swoim kontekście historycznym, że nie tylko rozprzestrzenił się na całą sztukę, ale także przeniknął inne dyscypliny, takie jak filozofia, psychologia, polityka, a nawet fizyka i matematyka.

Za rozszerzenie tej koncepcji odpowiadał Oswald Spengler, który w swoim słynnym dziele The Decline of the West przywołał epokę baroku.

Od 1915 r. Badacze sztuki zaczęli kwestionować pogląd, że barok może być stałym elementem historii ludzkości i stylów artystycznych.

Przesłanka ta zrodziła się, ponieważ pomimo tego, że barok rozwinął się w XVII wieku, jego estetyka jest obecna do dziś, ponieważ wielu wielkich artystów wykorzystało ówczesne ideały, aby przenieść je na bardziej nowoczesne przejawy.

Z tego powodu można znaleźć w XXII wieku serię książek wykorzystujących literaturę barokową.

Podstawowe elementy zrozumienia baroku

Biorąc pod uwagę wskazania Wölfflina wraz z wcześniej przedstawionymi informacjami, można wydobyć kilka podstawowych punktów, aby pełniej zrozumieć elementy składające się na barok. Są one następujące:

Znaczenie religijności, ekstrawagancji i groteski

Barok (zarówno stary, jak i obecny) charakteryzuje się szeregiem napięć, które zrywają z klasycznymi parametrami symetrii i proporcji.

Ponadto skłania się ku przedstawianiu krwawych i okrutnych scen, w których obfitują cechy przerażające i ponure. Dzięki temu wielu badaczy łączy barok z przedromantycyzmem i romantyzmem.

Poprzez tematy religijne barok ma tendencję do wyrażania antynomii między ciałem a duchem, ziemskich przyjemności i niebiańskich radości. Ponadto jest skłonny do analizy grzechów i pokuty, a także do manifestowania ekstazy i błogości, które są ukryte w niektórych mężczyznach.

Element religijny ma kluczowe znaczenie dla zrozumienia baroku; w rzeczywistości dla niektórych krytyków religia jest kanciastym składnikiem barokowej ekspresji.

Skłonność do ziemskich przyjemności i niepohamowanej furii

Człowiek, jako postać w tym ruchu, daje się ponieść ograniczonym siłom; Barok implikuje pasję, ruch i impulsy w różnych kierunkach. Barok próbuje wznieść się w górę, w poszukiwaniu wiary; jednak nie może oderwać się od ziemskich apetytów.

W ramach tej artystycznej manifestacji spirytyzm i sensualizm są nieustannie mylone, ze względu na konwulsję między obiema pozycjami, która uwalnia przesadne figury i mocno obciążone elementy dekoracyjne.

W sztuce baroku bardzo ważne są wartości erotyczne i zmysłowe: świat cieszy się zmysłami, kolorami i dźwiękami, a wszystko to skupione na zmysłowości i dostatku.

Proponuje się sekularyzację transcendencji, dlatego zawiera ona pytanie o przemijalność życia i rzeczy tego świata. Stara się przypomnieć człowiekowi, że wszystko jest próżne, ulotne i przemijające, próbując dotrzeć do rzeczywistości wolnej od niedoskonałości i kłamstwa.

Sztuka baroku

-Architektura

Fontana di Trevi

cechy

Architektura barokowa charakteryzowała się przede wszystkim wyraźnym odrzuceniem prostoty; W przeciwieństwie do renesansu, barok nie szukał wyrachowanej i spokojnej harmonii, ale nierównowagi, ruchu i przesady. W konsekwencji architekci umieścili owalne i eliptyczne rośliny, wywodzące się z geometrycznych linii.

Podobnie zrezygnowali z prostych linii i płaskich powierzchni, które zastąpili bardzo zakrzywionymi liniami i falistymi powierzchniami.

Pozwoliło to ruchowi wejść w świat artystyczny, widoczny również w dyscyplinach rzeźby i malarstwa. W architekturze pofałdowano nie tylko główną kondygnację, ale także wszystkie elewacje i wnętrza.

Ruch, światło i cień, efekt teatralny

Ideę ruchu wzmocniły również inne elementy, takie jak rozłupane naczółki, kolumny Salomona i owal. Światło miało również fundamentalne znaczenie w architekturze baroku, ponieważ pozwalało tworzyć efekty światłocienia i ruchu, co widać również w malarstwie.

Aby bawić się światłem, architekt wykonał nieciągłe powierzchnie, które miały głębokie wnęki oświetlone przez słońce, podczas gdy druga strona była utrzymywana w cieniu, sprzyjając efektowi światłocienia i kontrastu.

Z kolei architektura barokowa wzbogaciła i skomplikowała każdy tradycyjny element, taki jak m.in. łuki i gzymsy. Celem było uzyskanie teatralnego i spektakularnego efektu, dzięki czemu element dekoracyjny maskował prawdziwą konstrukcję budynku.

Znakomite dzieła

Kościół II Gesú w Rzymie

Z kościołem tym powstaje jeden z pierwszych przykładów architektury barokowej, który symbolizuje koniec renesansu i początek baroku. Niektóre cechy fasady tego budynku zostały powtórzone w innych miejscach, takich jak Hiszpania, a nawet Ameryka Łacińska; z tego powodu jest to jeden z najważniejszych budynków.

W tym początkowym okresie jest nadal zrelaksowanym barokiem, więc nie ma nadmiernej gry krzywych i przeciwkrzywych. Jednak Il Gesú ma wgłębienia i wypukłości na swojej fasadzie, które zwiastują kolejny etap tego ruchu.

Bazylika św. Piotra: dzieło Gianlorenzo Berniniego

Bazylika San Pedro, zapoczątkowana przez Michała Anioła, ma kilka elementów renesansowych, co widać na planie bazyliki. Jednak Gianlorenzo Bernini został zatrudniony do wykończenia dekoracji tego budynku.

Spośród detali wykonanych przez Berniniego najczęstszy jest baldachim znajdujący się wewnątrz tej bazyliki, który jest dokładnym przykładem elementów baroku: składa się z wielu złoceń, ruchu i horroru vacui, ponieważ nie ma ani jednej przestrzeni ten obiekt pozbawiony ozdób i detali.

Baldachim ma szereg ukośnych kształtów i cztery kolumny Salomona, co daje poczucie ruchu i ekstrawagancji. W kompozycji architektonicznej uczestniczą również kształty geometryczne i elementy naturalne.

-Obraz

Źródło: Rembrandt

cechy

W malarstwie barokowym zachowuje te same cechy architektury i rzeźby, jak światłocień, nierównowaga, ruch, religijny zapał, zmysłowość i skomplikowane schematy.

Malarstwo barokowe odwołuje się do naturalizmu, aby rzeczy były przedstawiane tak, jak artysta je docenia, czy są piękne, brzydkie, przyjemne czy nieprzyjemne.

Na przykład można znaleźć sceny z pięknymi Magdalenami (jak Magdalena pokutująca Murillo), ale można też zobaczyć groteskowe portrety (jak Lekcja anatomii autorstwa Rembrandta).

Malarstwo barokowe wyróżniało się również obfitą reprezentacją krajobrazów, martwych natur i martwych natur, w których kolor dominuje nad jakimkolwiek innym elementem. Ponadto artyści barokowi stawiają (i stawiają) na wielkość, ponieważ są to duże płótna, które mogą mierzyć do trzech metrów szerokości.

Jednak głównym bohaterem barokowych obrazów jest światło. W renesansie podporządkowano światło formom, uwydatniając ich kontur; w baroku forma jest podporządkowana światłu. Dało to początek jednemu z najbardziej uderzających nurtów baroku, jakim jest tenebrizm.

Znakomite dzieła

Tenebrizm Caravaggia

Ciemność stanowiła całą pierwszą fazę malarstwa barokowego i polegała na gwałtownym kontraście cieni i świateł. Pionierem tej techniki był Caravaggio, który był współczesnym El Greco, chociaż ich style były bardzo różne.

Jedno z jego najważniejszych dzieł, w którym można dostrzec mrok w najczystszej postaci, nosi tytuł Ukrzyżowanie św. Piotra. Na tym obrazie światło chwyta nagi tors świętego Piotra, który ma zostać ukrzyżowany do góry nogami.

Tło obrazu nie jest ograniczone, gdyż ostatnią płaszczyznę przejmuje duża czarna masa. Figury dalej od San Pedro są ciemniejsze, podczas gdy te najbliższe mają jaśniejsze kolory i otrzymują lepsze oświetlenie.

Rembrandt jako najwyższy przedstawiciel holenderskiego malarstwa barokowego

W początkowej fazie Rembrandt wyróżniał się przede wszystkim światłocieniem i kolorowymi obrazami, ponieważ pozostawał pod wpływem stylu caravaggist.

Jego kompozycje są bardzo poruszające; Jednak w przeciwieństwie do obrazów Caravaggia jego pociągnięcia pędzlem są miękkie, a postacie rozmyte w atmosferze, co sprzyja tworzeniu fantastycznych i tajemniczych scen.

Można to zaobserwować w znany sposób na słynnym obrazie „Straż nocna”, gdzie światło pada głównie na dwie postacie ubrane na żółto; Co do reszty, pozostałe postacie, które składają się na zdjęcie, noszą ciemnoczerwone ubrania.

Najbardziej uderzającą postacią jest mała dziewczynka, która ze względu na mocne oświetlenie, które otrzymuje, wygląda jak anielska istota. Jego twarz, czysta i piękna, jest osłabiona przez tyle świetlistości.

Ze swojej strony główny bohater otrzymuje silne kontrasty obrazowe ze względu na jego całkowicie czarne ubranie, które podkreśla czerwoną opaskę, którą nosi na piersi.

Velázquez: jeden z najważniejszych malarzy wszechczasów

Dla wielu krytyków Velázquez jest prawdopodobnie najważniejszym malarzem w historii sztuki. To uznanie wynika z faktu, że ten hiszpański malarz ustanowił nowy sposób docenienia malarstwa dzięki swojej grze luster i malarskim oszustwom.

Chociaż jego prace są bardzo prymitywne i naprawdę znane, jego najbardziej znanym obrazem jest Las Meninas (którego oryginalne imię to Rodzina Felipe IV). W tej pracy można zobaczyć, jak autorka pracowała z dojrzałą perspektywą, która została wsparta światłocieniem i kontrastami.

Na obrazie widać dwa wejścia światła: jedno, które zakrywa małą infantkę Margaritę i jej meniny oraz drugie, które objawia się przez tylne drzwi, gdzie pojawia się prawdziwa osoba.

Ten obraz przekroczył granice chronologiczne, ponieważ Velázquez zrobił coś, czego żaden inny malarz nie zrobił wcześniej: namalował siebie jako artystę.

Miało to kluczowe znaczenie dla świata malarstwa, ponieważ dawało malarzom autonomię. Ponadto autor zdaje się patrzeć na widza z satysfakcją, jakby sugerował jego nieśmiertelność utrwaloną w akcie twórczym.

-Rzeźba

Źródło: DnTrotaMundos ☮

cechy

W literaturze baroku zachowały się cechy innych dyscyplin artystycznych, głównie ozdobny charakter twórczości. To wystawny styl, który był głównie poświęcony utrwalaniu przemijania ludzkiego życia, marzeń, kłamstw i walki. Skupił się również na kilku mitologicznych opowieściach.

Jeśli chodzi o charakter kompozycyjny, w literaturze barokowej w przesadny sposób stosowano hiperbatonę, elipsę, przymiotniki, antytezę i metaforę, co niejednokrotnie utrudniało czytanie.

W hiszpańskim baroku literatura ta zbiega się z rozwojem znanego Złotego Wieku, w którym dominowały tematy religijne, miłosne i honorowe. W poezji kontynuowano literaturę barokową z wykorzystaniem renesansowego sonetu, dodając jednak zmysłowości typowej dla tego nurtu.

W tym okresie ukazała się uznana powieść Miguela de Cervantesa Don Kichot. Na Półwyspie Iberyjskim pojawiły się również bardzo udane podgatunki, takie jak powieści łotrzykowskie. Ponadto w teatrze pojawił się inny ważny pisarz: Pedro Calderón de la Barca.

Znakomite dzieła

Jeśli chodzi o jej najbardziej znanych autorów, warto zwrócić uwagę na poetów Luisa de Góngorę i Francisco de Quevedo. Pierwszy napisał długi romans zatytułowany Fable of Pyramus and Thisbe, który jest klasyfikowany przez krytyków jako bardzo złożony wiersz wymagający wiele racjonalnego i twórczego wysiłku.

Podobnie Francisco de Quevedo napisał 875 wierszy, które zawierały niuanse w różnych podgatunkach; niektóre były satyryczno-burleskowe, inne kochające i moralne.

Zawierał także kilka wersetów religijnych i pogrzebowych. Jednym z jego najbardziej znanych wierszy jest tak zwana nieustanna miłość po śmierci.

Najbardziej znanym dziełem Pedro Calderóna de la Barca było Life is a Dream, które jest cenione za poetyckie piękno i doskonałą muzykalność. W tym tekście autorka igrała z esencją snów i bliskim związkiem snów z ulotnością życia i ziemskimi przyjemnościami.

W angielskim baroku wyróżniał się William Shakespeare.

-Barokowa muzyka

Johann Sebastian Bach

Niektóre cechy muzyki barokowej to:

1. Kontrast. Podobnie jak w innych artystycznych formach wyrazu tamtych czasów, muzyka barokowa wykazuje wielki kontrast między dźwiękami każdego instrumentu a głosami śpiewaków.
2. Opracowano ciągły bas. Na przykład ta sama nuta była grana na różnych instrumentach, takich jak klawesyn lub klawesyn i wiolonczela. W ten sposób doceniono różnicę między tymi dźwiękami. Po tej sprzeczce dźwięków nastąpiły powolne dźwięki.
3. Rozwinęła się muzyka notalna. Wcześniej muzyka była modalna i opierała się na starożytnych modach i skalach. W baroku powstał system gamy: dur i moll, z akordami.
4. Tworzona jest miara i rytm. Rozwija się stosowany obecnie regularny i wyraźny puls.
5. Muzyka instrumentalna staje się niezależna.
6. Muzyka świecka stała się popularna i rozwinęła się.
7. Rozwijane są formy wokalne: opera, oratorium, kantata, pasja.

- teatr barokowy

Styl barokowy w sztukach charakteryzował się sześcioma podstawowymi zasadami, które nim rządziły:

1. Złamał zasadę 3 jednostek. Zgodnie z tym każda praca miała akcję główną, scenerię i dzień (czynności odbywały się tego samego dnia).
2. Zmniejszenie liczby aktów: z pięciu do trzech.
3. Język został dostosowany, dzięki czemu osoby znajdujące się w niekorzystnej sytuacji mogły zrozumieć teatr.
4. Wprowadzono tragikomedię.
5. W dialogach postaci zwrócono uwagę na figury retoryczne.
6. Do teatru zostaje wniesiony miernik poezji lirycznej.

Bibliografia

1. (SA) (sf) Barok: kontekst historyczny i ogólna charakterystyka. Pobrane 14 kwietnia 2019 z Sabuco: sabuco.com
2. (SA) (sf) Uwagi do historii sztuki: barok. Pobrane 15 kwietnia 2019 z Educación Aragón: Ieselaza.educa.aragon.es
3. (SA) (sf) Barok: zmieniające się społeczeństwo. Pobrane 15 kwietnia 2019 r. Repozytorium szkolnictwa wyższego: repositorio.educacionsuperior.gob.ec
4. Valbuena, A. (1960) El Barroco, Hispanic art. Pobrane 16 kwietnia 2019 r. Z Centro virtual cervantes: cvc.cervantes.es
5. Villareal, G. (2013) Sztuka baroku. Pobrane 14 kwietnia 2019 r. Z Autonomous University of Hidalgo State: uaeh.edu.mx