FUTURYZM: KONTEKST HISTORYCZNY I SPOŁECZNY ORAZ CHARAKTERYSTYKA - SZTUKA - 2026

Futuryzm był głównie włoski avant - garde ruch sztuki uważany przez niektórych krytyków jak w poprzedniczce, co było później modernizm. Futuryzm narodził się w wyniku niezadowolenia panującego na kontynencie europejskim, więc jego przykazania były pełne krytyki i radykalizacji.

Jego własny twórca, Filippo Tommaso Marinetti, określił ten ruch jako „estetykę przemocy i krwi”. Ten trend rozpoczął się w 1909 roku i dążył do zerwania z tradycją, a także z konwencjonalnością historii sztuki. Był to lekceważący ruch, który opowiadał się za zmysłowością, wojowniczością i narodowością.

Petronas Towers autorstwa argentyńskiego architekta Césara Pelli to przykład futurystycznych manifestacji artystycznych. Źródło: MithunAhamed

Kubizm notorycznie wpływał na futuryzm, by później skupić się na innych tematach, takich jak maszyny i ruch. W przeciwieństwie do większości stanowisk estetycznych ten artystyczny i filozoficzny nurt bronił istnienia maszyny i nowych technologii, uważając je za istotną część swoich czasów i episteme.

Futuryzm chwalił współczesne życie, próbując oderwać się od tradycyjnej estetyki. Co więcej, ruch ten ustanowił coś, czego nigdy wcześniej nie robiono w historii sztuki: manifest, w którym zorganizowano idee i wyznaczono cele. Następnie ten wyczyn został wykonany przez surrealistów i innych artystów.

Traktat tego nurtu nazwano Manifestem Futurystycznym, w którym ruch został rozpoznany i zdefiniowany. Założeniem futuryzmu był skandal, ale skupiali się oni również na technologii i szybkości, broniąc współczesnego świata przed przestarzałą przeszłością; Według tych artystów nic z przeszłości nie było warte zachowania.

Dlatego twórcy tego nurtu potępili muzea, które określili jako cmentarze; Futuryzm cenił oryginalność ponad wszystkie inne aspekty. Jednak krytycy zwracają uwagę, że istnieją pewne niekongruencje, bo futuryzm karmił się nie tylko kubizmem, ale także dywizjonizmem.

Prace futurystyczne charakteryzowały się mocnymi i żywymi kolorami, które uwydatniały figury geometryczne. Starali się przedstawić ruch poprzez kolejne przedstawianie obiektów, umieszczając je w różnych pozycjach lub rozmywając. Technika ta stała się tak popularna, że ​​jest obecnie stosowana w komiksach i animacjach.

Kontekst historyczny i społeczny

Dynamism of a Cyclist (1913), Umberto Boccioni

Futuryzm, jako ruch artystyczny i literacki, pojawił się w Mediolanie we Włoszech w pierwszej dekadzie XX wieku. Jego nakazy zostały szybko rozpowszechnione w kilku krajach europejskich, głównie w Paryżu, gdzie powstało jedno z jąder futurystycznej produkcji.

W tym okresie futuryzm był w dużej mierze powiązany z kubizmem; powstał nawet ruch, który starał się zjednoczyć oba nurty, zwany „kubofuturyzmem”. Chociaż ta forma była bardzo skuteczna w niektórych regionach Europy, futuryści krytykowali kubizm jako „nadmiernie statyczny”.

Futuryści i ich

W 1913 roku futuryzm osiągnął swój największy blask. Artyści tego ruchu założyli pismo Lacerba, w którym wypowiadali się odważnie i budzili kontrowersje.

Wyczuwając nadejście pierwszej wojny światowej, futuryści zdecydowali się ją uczcić, ponieważ uważali, że jest to idealna okazja dla zniszczenia zachodniej cywilizacji i rozpoczęcia od podstaw budowy nowego świata. Innymi słowy, futuryści bronili radykalnie czystego stanowiska.

Manifesty i traktaty

20 lutego 1909 roku Marinetti opublikował Manifest futurystów w paryskiej gazecie znanej jako Le Figaro. W tekście tym autor wyraził radykalne odrzucenie przeszłości i tradycji, argumentując, że sztuka powinna być antyklasyczna, ponieważ nowe prace powinny być zorientowane na przyszłość.

Dlatego sztuka musiała odpowiedzieć na swój historyczny kontekst poprzez ekspresyjne formy, które broniły dynamicznego ducha chwili, zawsze stosując nowoczesną technikę. Ponadto ta sztuka musiała być powiązana ze społeczeństwem, które stało się przepełnione w dużych miastach; Z tego powodu futuryzm bronił urbanizmu i kosmopolitów.

11 kwietnia 1910 r. Grupa artystów futurystów - malarzy Carrá, Boccioni i Russolo wraz z architektem Sant'Elią, filmowcem Cinną i muzykiem Pratellą - podpisała manifest malarstwa futuryzmu. W traktacie zaproponowano zerwanie z tradycyjnymi archetypami piękna, takimi jak dobry smak i harmonia.

Od tego momentu Marinetti zaczął przewodzić grupie artystów o futurystycznych skłonnościach, w skład której wchodzili Russolo, Boccioni, Balla i Carrá.

W tym okresie w Anglii narodził się prąd podobny do futuryzmu, który był znany pod nazwą Vorticism. W Hiszpanii szeroko czytano poezję futurystycznego autora Salvata-Papasseita.

Okres powojenny

Po I wojnie światowej ekscesy szkoły futurystów zostały zmniejszone. Tylko założyciel Marinetti próbował utrzymać przy życiu ruch artystyczny, dostosowując futurystyczne przykazania do narastających anty-wartości włoskiego faszyzmu.

W 1929 roku ostatni artyści pozostający w mocy zrealizowali trzeci traktat pt. Manifest aeropaintingu.

Ten tekst został zainspirowany wrażeniami, jakie wywoływały loty, a także techniką lotniczą. Jednak ten nowy trend nie mógł znieść umierającego futuryzmu, a raczej go pogrzebał.

Spadek ruchu

Nazwa tego ruchu wynikała z interesu jego twórców polegającego na zerwaniu z przeszłością i spojrzeniu w przyszłość, zwłaszcza we Włoszech, gdzie tradycja estetyczna obejmowała wszelkie dziwactwa. Futuryści chcieli stworzyć zupełnie nową sztukę, która pasowałaby do współczesnej mentalności.

Jednak wielu krytyków uznało, że niemożliwe jest całkowite oderwanie się od tradycji i przeszłości, nawet jeśli zajmuje się wobec niej radykalne stanowisko. Już sam akt tworzenia i projektowania jest ukłonem w stronę najbardziej skalistej przeszłości człowieka.

Można jednak powiedzieć, że Futuryści mieli rewolucyjne pomysły, które stawiają na siłę, szybkość, szybkość i energię. Podobnie, estetyka futuryzmu szerzyła także pojęcia macho i prowokacyjne, w których wykazano wyraźne zainteresowanie wojną, niebezpieczeństwem i przemocą.

Z biegiem lat futuryzm stawał się coraz bardziej upolityczniony, aż całkowicie połączył się z faszystowskimi ideałami, do których partii dołączył założyciel w 1919 roku.

cechy

Podwyższenie nowoczesności

Ruch futurystyczny wywyższał nowoczesność i wzywał artystów do „uwolnienia się od przeszłości”. Ciekawe, że właśnie we Włoszech, gdzie wyczuwalny jest wpływ klasyki, powstał ten ruch, który wzywał do odrzucenia sztuki klasycznej.

Sztuka renesansu i inne nurty artystyczne były uważane przez futurystów za interpretację klasycyzmu, która nie pozwalała na rozwój nowej estetyki.

Podwyższenie oryginału

Ruch futurystyczny charakteryzował się głównie egzaltacją oryginału, ponieważ starał się zrobić czysty przegląd wszystkiego, co wcześniej ustalono.

Jednak futuryzm był karmiony przez inne wcześniejsze ruchy, takie jak kubizm, który według niektórych autorów umniejszał oryginalność ich dzieł. Jednak futuryzm w ten sam sposób był nowością na tamte czasy, dzięki sposobowi przedstawiania ruchu i maszyny.

Ideały ruchu

Jedną z najważniejszych cech futuryzmu była jego zdolność do nadawania ruchu dziełom artystycznym za pomocą technik malarskich, architektonicznych lub literackich.

Wprowadzono także inne nowatorskie koncepcje, takie jak prędkość, siła, energia i czas. Elementy te zostały podkreślone mocnymi kolorami i gwałtownymi liniami.

Relacje ze współczesnym światem

Futuryzm pozostawał blisko związany z nowoczesnością, dlatego przemawiał do dużych miast, samochodów, dynamizmu i zgiełku typowego dla nowych miast kosmopolitycznych. Zachowywał także skłonność do innych aspektów XX wieku, takich jak sport i wojna.

Użycie koloru

Jak wspomniano w poprzednich akapitach, futuryści używali szerokiej gamy mocnych kolorów, aby dać wrażenie ruchu, a także zilustrować lub przedstawić różne rytmy.

Podobnie, poprzez kolory autorzy ci generowali różnego rodzaju wrażenia, takie jak te generowane przez przezroczystość.

Korzystanie z linii

Tak jak futuryści używali kolorów do generowania ruchu, tak samo wykorzystali wiele szczegółów i linii, co również przyczyniło się do dynamicznego odwzorowania współczesności.

Kreski tych autorów przypominały kalejdoskopy, a nawet niektóre filmy, w wyniku poszukiwań dynamizmu.

To ruch symbolistyczny

Siła, ruch, przemoc i agresywność były głównymi wartościami futuryzmu i najważniejsze było ich reprezentowanie w jego twórczości. W tym sensie można powiedzieć, że tematyka prac nie była bardzo ważna, o ile te wartości były odzwierciedlone.

W odniesieniu do tych wartości futuryzm można określić jako symbolistyczny, w tym sensie, że wykorzystywał obraz „ciężkiej ręki” do reprezentowania siły lub agresywności. Uważa się, że futuryści byli pod silnym wpływem francuskiej symboliki.

Przeprosiny za urbanizm

Sztuka futurystyczna była przeprosinami za urbanistykę, za „betonową dżunglę”, za miasto. Główną cechą futurystycznej urbanistyki był racjonalizm.

Budynki musiały być praktyczne. Na przykład stacja Santa Maria Novella we Florencji, zbudowana przez grupę architektów, w tym Giovanni Michelucci.

Zainteresowanie okultyzmem

Futuryści starali się przedstawić opinii publicznej bardziej pierwotną i ukrytą rzeczywistość rzeczy. Pod wpływem filozofii intuicji Henri Bergsona, starali się za pomocą form przedstawiać ukryte. Należy pamiętać, że Bergson rozwinął filozofię ruchu, myśli i tego, co się porusza, czasu i przestrzeni.

Podziw dla maszyn

Futuryści kochali maszyny. Futuryzm próbował wyeliminować kulturę burżuazyjną, a jego destrukcyjna siła wyrażała agresywną estetykę życia miejskiego. Idea zniszczenia rzeczywistości była wyznawana przez futurystów.

Futuryzm w architekturze

Opera. Kopenhaga.

cechy

Odpowiadając na swoje pierwotne przykazania, futurystyczna architektura wyróżniała się antyhistorycznością, więc unikano tradycyjnych form. Futurystyczni architekci wykorzystali długie poziome linie, aby zasugerować szybkość, pilność i ruch.

Architekturę futuryzmu koneserzy opisują jako architekturę kalkulacji, prostoty i architektonicznej odwagi. Zastosowane elementy to żelazo, szkło, beton, tektura, namiastki drewna, włókna tekstylne oraz zamienniki cegły, aby nadać pracy lekkość i elastyczność.

Ukośne linie i inspiracja figurami mechanicznymi

Architektura futurystów, mimo poszukiwania praktyczności i użyteczności, pozostała wierna sensowi artystycznemu, zachowując jednocześnie wyraz i syntezę.

Ze swojej strony linie były ukośne i eliptyczne, aby odwołać się do dynamizmu. Tego typu linie mają większy potencjał ekspresyjny w porównaniu z typowymi liniami prostopadłymi.

W przeciwieństwie do tradycyjnej architektury - inspirowanej formami natury - futurystyczna architektura czerpała inspirację z nowych, nowoczesnych form, wchłaniając w ten sposób część wiedzy z zakresu mechaniki i technologii.

Inną cechą charakterystyczną tego typu architektury był jej przejściowy charakter; Architekci futurystów ustalili, że domy powinny trwać krócej niż ludzie, więc każde pokolenie miało obowiązek budowania nowego miasta.

Przedstawiciele i prace

Cesar Pelli i Petronas Towers

Jednym z najbardziej znanych architektów o futurystycznych tendencjach był César Pelli, argentyński architekt, który również miał wpływy Art Deco.

Jego najbardziej znanym dziełem jest ciesząca się uznaniem Petronas Towers w Kuala Lumpur, stolicy Malezji. Wieże te są uważane za jedne z najwyższych budynków na świecie, ponieważ mają wysokość 452 metrów.

Wieże Petronas zostały zbudowane z typowych futurystycznych materiałów, takich jak żelbet i szkło. Wizualnie można dostrzec wiele linii, zarówno ukośnych, jak i poziomych. Chociaż futuryzm stara się zerwać ze wszystkimi powyższymi, Pelli postanowił zainspirować się muzułmańskimi krzywiznami, aby nadać budynkom dynamikę.

Santiago Calatrava i Miasto Sztuki i Nauki

Ten hiszpański architekt, choć jest współczesnym artystą, który do dziś tworzy dzieła, wywarł duży wpływ na futurystyczne przykazania. Tak jest w przypadku użycia materiałów i ukośnych kształtów.

Calatrava był wielokrotnie nagradzany, zwłaszcza za realizację jednego z jego najsłynniejszych dzieł: Miasta Sztuki i Nauki.

Ta konstrukcja to ogromny kompleks architektoniczny znajdujący się w hiszpańskiej Walencji. Został zainaugurowany w 1998 roku, wywołując wielką sensację wśród koneserów. W tym mieście można zobaczyć to, co najlepsze w futurystycznej i nowoczesnej architekturze, ponieważ zarówno zastosowane kolory, jak i umieszczone szkło dają wrażenie ruchu i elastyczności.

Futuryzm w malarstwie

cechy

Jak wspomniano w poprzednich akapitach, malarstwo futurystyczne starało się porzucić wszystko, co ustalone, aby zaoferować widzom coś zupełnie innego. Ten rodzaj malarstwa celebruje przemianę, innowacyjność i kulturę miejską, dlatego postać maszyny została przyjęta jako główne źródło inspiracji.

Zastosowane kolory i liczby

W malarstwie futurystycznym widz może obserwować dużą liczbę figur geometrycznych, a także różne krzywe.

Dominującymi kolorami są czerwony, niebieski i pomarańczowy, ponieważ są to kolory, które charakteryzują ducha nowoczesności. Często używany jest również szary, ponieważ ten odcień jest charakterystyczny dla kultury zurbanizowanej.

Z kolei w tych malarskich pracach widać bardzo wysokie budynki, które rozmywają się między maszynami, kolorami i krzywiznami. Przedstawienie tych budynków nie jest realistyczne, ponieważ betonowe konstrukcje wydają się zanurzone w swego rodzaju kalejdoskopie poprzez nałożone na siebie obrazy i figury.

Postać ludzka jako indywidualna całość zazwyczaj nie pojawia się na obrazach futurystów. W każdym razie człowiek jest przedstawiany w społeczności i dużych miastach.

Jeśli w tych pracach występuje postać ludzka, zwykle ma ona zamazaną twarz, oferując widzowi ideę dynamizmu i przemijania.

Przedstawiciele i prace

Umberto Boccioni: główny wykładnik futurystów

Umberto Boccioni był włoskim rzeźbiarzem i malarzem, najbardziej znanym jako jeden z pionierów ruchu futurystycznego.

Jego prace charakteryzowały się wyrzutem etatyzmu, więc Boccioni za wszelką cenę unikał stosowania linii prostej. Aby dać wrażenie wibracji, ten malarz wybrał kolory drugorzędne nad innymi.

Jedno z jego najsłynniejszych dzieł, znane jako Dynamism of a Cyclist (1913), pokazuje, jak Boccioni wytworzył wrażenie ruchu. Widać to także w jego pracy Dynamizm piłkarza, gdzie również eksperymentował z tymi cechami; Obie prace łączy motyw sportowy.

Giacomo Balla i jego oddzielenie od przemocy

Giacomo Balla był włoskim malarzem z futurystycznym zacięciem. Utrzymywał znaczne zainteresowanie ideami anarchistów i był w pewien sposób powiązany z puentylizmem.

Początkowo jego malarstwo było impresjonistyczne, więc autor ten nieustannie interesował się analizą chromatyczną. Poprzez puentylizm uprawiał ulubiony temat futuryzmu: dynamizm i szybkość.

W przeciwieństwie do innych malarzy futurystów, Balla nie zgadzał się z przemocą, więc można go właściwie zdefiniować jako malarza lirycznego. Jego najsłynniejsze dzieło nosi tytuł Dynamizm psa na smyczy (1912).

Futuryzm w literaturze

cechy

Podobnie jak w poprzednich dyscyplinach, futuryzm literacki starał się zerwać z tradycją i dać czytelnikom poczucie dynamizmu, przemijania, ruchu i szybkości.

W 1913 roku ukazał się literacki futurystyczny manifest pt. Zniszczenie składni-bezprzewodowej wyobraźni-słów w wolności, który wyjaśniał, jak powinien postępować pisarz.

Podsumowując, tekst ten ustanawia, że ​​język powinien być wolny od przymiotników i przysłówków, głównie przy użyciu czasowników bezokolicznikowych.

Przedstawiciele i prace

Jeśli chodzi o literackich przedstawicieli futuryzmu, wielu krytyków wspomina o założycielu Filippo Tommaso Marinetti dzięki jego artystycznym manifestom. Można jednak znaleźć różnych poetów i znanych pisarzy o futurystycznych skłonnościach, takich jak Guillaume Apollinaire.

Dynamiczna poezja Apollinaire'a

Ten autor, narodowości włosko-francuskiej, był poetą fundamentalnym dla rozwoju nie tylko futurystycznego, ale i nowoczesnego pisarstwa. W ogóle uważany jest za jednego z najważniejszych przedstawicieli awangardy literackiej.

Apollinaire podzielał z futuryzmem swoją skłonność do kontrowersji i odrzucania tradycji. Utrzymywał również znaczące związki z artystycznymi nakazami surrealizmu.

Ten poeta znany jest zwłaszcza z Kaligramów (1918), na które składały się serie pism, które zostały nałożone w taki sposób, że tworzyły figury, takie jak budynki, ulice czy inne obiekty.

Teatr futurystyczny

Jest to przeważnie teatr różnorodności, w którym prezentowanych jest kilka krótkich numerów. Wyróżniał się wodewil, który był rodzajem lekkiej komedii z kilkoma postaciami.

Teatr futurystyczny miał tylko jeden akt. Podkreślił również salę muzyczną, która była słynnym typem wodewilu w Anglii, łączącym aktorstwo, taniec i muzykę.

W teatrze różnorodności było wiele aktów, w których nie byli ze sobą spokrewnieni. Były to numery muzyczne, iluzjonizm, poezja, stand up, cyrk, pokazy biologicznych osobliwości, żonglerka, sportowcy i gwiazdeczki.

Kino futurystyczne

Kadr z filmu Thaïs (1917). Bragaglia.

Charakteryzował się wykorzystaniem złudzeń optycznych. Był to najstarszy ruch w europejskim kinie awangardowym. Jego znaczenie kulturowe było bardzo szerokie i wpłynęło na wszystkie późniejsze ruchy awangardowe.

Jego dziedzictwo można zobaczyć w pracach Alfreda Hitchcocka. Produkcja na filmie awangardowym była dość ograniczona.

Pierwsze eksperymentalne filmy braci Corradini, zwane Ginna i Corra, nie zostały zachowane, ale wiadomo, że używali oni techniki cinepitture (ręcznie kolorowane filmy) z rozrzuconymi i mylącymi plamami koloru. Kontynuacją kina futurystycznego było niemieckie kino ekspresjonistyczne.

Jedynym znaczącym futurystycznym filmem jest Thaïs, nakręcony w 1917 roku i wyreżyserowany przez Antona Giulio Bragaglia. Kopia jest przechowywana w Cinematheque of France. Historia jak na razie jest konwencjonalna, ale efekty wykonane przez malarza Enrico Prampoliniego stworzyły kapryśny i przytłaczający świat spirali i szachownic.

Można podkreślić wpływ futurystycznej architektury na kino. Na przykład architekt Virgilio Marchi zaprojektował zestaw ponad 50 filmów, wśród których wyróżniają się Condottieri (1937) i Lost in the Dark (1947).

Futurystyczna gastronomia

Futuryści, którzy starali się wpłynąć na wszystkie aspekty życia codziennego, wydali również manifest gastronomiczny. Filippo Tommaso Marinetti opublikował również Manifest kuchni futurystów 20 stycznia 1931 r., Chociaż za prekursora pomysłów, które Marinetti wyjaśnia w swoim manifeście, uważa się francuskiego szefa kuchni Julesa Maincave.

Marinetti stwierdził, że tradycyjne metody gotowania są nudne i głupie. Uważał również, że Włosi powinni wyeliminować makaron z diety.

Myśliciel ten wezwał chemików do eksperymentowania ze smakami i konsystencją jedzenia, uważał, że konieczne jest tworzenie nowych mieszanek i zniesienie widelca, noża, tradycyjnych przypraw, wagi i objętości jedzenia. Marinetti uważał, że konieczne jest tworzenie zmiennych przekąsek.

Po uruchomieniu manifestu we Włoszech i Francji zorganizowano futurystyczne konferencje i bankiety oraz otwarto restaurację „Santopalato”. Marinetti później opublikował The Futurist Kitchen of Marinetti and Fillia.

Futurystyczna muzyka

Używał odgłosów miasta jako nut. Na przykład kliknięcie maszyny do pisania lub hałas rynku w mieście. Te dźwięki musiały być harmonijnie zintegrowane z nutami muzycznymi.

W 1910 roku ukazał się Futurist Music Manifesto, który zamiast obalać „estetykę” muzyki futurystycznej, opisywał raczej postawę „muzyków futurystów”. Musieli opuścić klasyczne ośrodki muzyczne i poświęcić się swobodnemu tworzeniu swoich utworów poza wpływem muzyki akademickiej.

W tym manifeście wezwano muzyków do zastąpienia nut i partytur wolną muzyką, a także stwierdzono, że śpiew ma taką samą wartość jak muzyka, ponieważ wcześniej śpiewacy byli głównymi postaciami w każdej orkiestrze.

Największym przedstawicielem muzyki futurystów jest Luigi Russolo, autor Art of Noises. Luigi zbudował zestaw instrumentów eksperymentalnych o nazwie Intonarumori, za pomocą których skomponował takie utwory, jak Przebudzenie miasta. Innymi znanymi muzykami futurystów byli Arthur-Vincent Lourié i Alexander Goedick.

Futurystyczna moda

Powstał z Manifestu, chociaż jego powstanie było związane z erą kosmiczną. W tamtych czasach projektanci mody eksperymentowali z nowymi materiałami, a ich garnitury wyglądały jak kombinezony kosmiczne.

Andre Courrèges, Pierre Cardin i Paco Rabanne byli największymi przedstawicielami futurystycznej mody. Moda ta wyróżniła się przy tworzeniu wielu ubrań unisex.

Couturierowie preferowali okrągłe kształty, wygodę i praktyczność garniturów i często ignorowali kobiecość, za co byli bardzo krytykowani.

Futurystyczny projekt graficzny

Charakteryzowała się przemianą tradycyjnej typografii i prezentacji tekstów. Teksty zostały przekształcone w dynamiczne projekty kompozycji z rysunkami przywołującymi futurystyczne wartości.

Teksty zostały umieszczone po przekątnej z kontrastem rozmiarów. Czasami tekst składał się z wykonanych figur, co nadawało mu zróżnicowany i wyrazisty charakter.

W 1910 r. Carrá, Balla, Severini i Luigi Russolo podpisali „Manifest malarzy futurystów”, którzy zastosowali teorię futurystów w sztuce dekoracyjnej. Na przykład rewitalizacja Lacerba.

Bibliografia

1. Alí, A. (nd) Futurystyczny cyklon. Pobrane 14 maja 2019 z UNAM: revistadelauniversidad.unam.mx
2. (2019) Futuryzm literacki: pochodzenie, cechy i autorzy. Pobrane 14 maja 2019 r. Z I am literatura: soyliteratura.com
3. (sf) Futurystyczna architektura. Pobrane 14 maja 2019 z Wikipedii: wikipedia.org
4. (sf) Malarstwo futurystyczne. Manifest techniczny. Pobrane 14 maja 2019 r. Z World Digital Library: wld.org
5. Torrent, R. (2009) Sto lat futuryzmu. Pobrane 14 maja 2019 z Universitat Jaume: repositori.uji.es