15 NAJWAŻNIEJSZYCH CECH TEATRU - SZTUKA - 2025

Do najważniejszych cech teatru są ściśle związane z elementów wspólnych dla każdej gry i wydajności. Termin teatr ma swoje korzenie w greckim słowie theatron, które oznacza „miejsce do oglądania”.

Dlatego początkowo teatr odnosił się zarówno do miejsca, jak i do określonej formy percepcji. Dziś pojęcie teatru może odnosić się do: budynku, działania („chodzenia” lub „robienia” teatru), instytucji i formy sztuki.

Teatr jest gałęzią sztuki scenicznej związanej z aktorstwem i przedstawieniem historii przed żywą publicznością, wykorzystującą połączenie przemówień, gestów, scenerii, muzyki, dźwięków i spektaklu, które mają na celu stymulację i podniecenie widza.

Umysł odgrywa również ważną rolę w teatrze, ponieważ ta artystyczna ekspresja jest odczytywana zgodnie z percepcją i wyobraźnią widza.

Wszystkie sztuki mają wspólne elementy, które charakteryzują tę sztukę. Poniżej będziesz mógł bardziej szczegółowo zobaczyć najważniejsze funkcje.

15 charakterystycznych elementów teatru

1- Działka

Źródło: Morruelo przez Wikimedia Commons)

To właśnie dzieje się w pracy. Odnosi się do działania. Organizacja wydarzeń lub wybór i kolejność scen w przedstawieniu. Według Arystotelesa jest to abstrakcyjna koncepcja, odnosząca się do rozmieszczenia incydentów, które stanowią surowiec i składniki opowieści.

Fabuła to sposób, w jaki te incydenty układają się w spójną całość. Jeśli zmieni się układ pierwotnego porządku, zostanie wygenerowana nowa ramka. W teatrze dominują dwa rodzaje fabuły. Następnie jego główne cechy i elementy wyróżniające:

Ramka rozdzielczości

• Fabuła zaczyna się późno, bliżej końca lub punktu kulminacyjnego.
• Obejmuje krótki okres czasu.
• Zawiera kilka solidnych i rozbudowanych scen.
• Występuje w ograniczonym miejscu, pokoju lub domu.
• Liczba znaków jest poważnie ograniczona.
• Niewiele wątków jest podniesionych.
• Linia działania przebiega w łańcuchu przyczyny i skutku. Postacie i wydarzenia są ze sobą ściśle powiązane w prawie nieuniknionej sekwencji logicznego rozwoju.

Odsłoń fabułę

• Fabuła rozpoczyna się stosunkowo wcześnie i przechodzi przez serię aktów.
• Obejmuje długi okres czasu.
• Wiele krótkich i fragmentarycznych scen lub przemian między krótkimi i długimi scenami.
• Może obejmować całe miasto lub nawet wiele krajów.
• Mnóstwo postaci.
• Często naznaczony kilkoma wątkami akcji, kilkoma równoległymi historiami.
• Sceny są ze sobą powiązane. Zdarzenie może wynikać z kilku przyczyn lub bez wyraźnej przyczyny, ale pojawia się w sieci okoliczności.

2- Temat

Źródło: Martinbayo przez Wikimedia Commons)

Podczas gdy fabuła nawiązuje do akcji spektaklu, temat nawiązuje do znaczenia sztuki. Czasami jest to jasno określone w tytule.

Innym razem można to wyrazić poprzez dialog postaci, która występuje jako głos dramaturga. Czasami temat jest mniej oczywisty i pojawia się dopiero po przeanalizowaniu treści pracy.

3- znaków

Są to ludzie, zwierzęta lub idee reprezentowane przez aktorów w sztuce. Pod względem strukturalnym postacie są agentami działania, tymi, którzy zapewniają motywację do zaistnienia wydarzeń w fabule.

Każda postać powinna mieć własną osobowość, wiek, wygląd, przekonania, pochodzenie społeczno-ekonomiczne i język. Zgodnie z pełnionymi przez nie funkcjami w pracy, można opisać niektóre typy postaci:

• Protagonista : główny bohater.
• Antagonic : główny przeciwnik głównego bohatera.
• Odpowiedniki : Ujawniają pewne aspekty głównego bohatera, mając podobne lub różne okoliczności lub zachowania.

4- Skrypt lub tekst

To jest punkt wyjścia przedstawienia teatralnego. Jest to tekst, na podstawie którego powstaje sztuka. Składa się z dialogów, instrukcji scenicznych, opisów postaci i tym podobnych w sztuce. Odnosi się do słów napisanych przez dramatopisarza i zinterpretowanych przez bohaterów.

5- Płeć

Charakterystyczna klasa pracy. Płeć pochodzi od francuskiego słowa oznaczającego „kategorię” lub „typ”. Wybór gatunku odzwierciedla punkt widzenia autora na temat.

W teatrze zwykle wystawiane są następujące rodzaje sztuk: tragedia, komedia, melodramat i tragikomedia. Każdy z tych gatunków można dalej podzielić według stylu i treści na:

Tragedia

Jest imitacją działania, które jest poważne, złożone i istotne. Tragedia jest z natury poważna w swoim temacie i dotyczy głębokich problemów. Te głębokie kwestie są uniwersalne i wzbudzają współczucie i lęk widzów, którzy są świadkami akcji.

Komedia

Ma wizję rozśmieszania publiczności, jest zazwyczaj fizyczna i energiczna. Zachowanie przedstawionych postaci jest śmieszne, a czasem absurdalne. Pobudza widza do korygowania zachowań społeczeństwa.

Melodramat

To dramat katastrofy, okoliczności niezależne od bohatera powodują istotne wydarzenia fabuły. Wina i odpowiedzialność bohatera zostają usunięte.

Bohater jest ofiarą okoliczności. Melodramat ma sens ścisłej oceny moralnej. Wszystkie przedstawione kwestie są rozwiązywane w jasno określony sposób. Dobre postacie są nagradzane, a złe postacie karane.

Tragikomedia

Jest odbiciem samego życia, zawiera wszystkie poprzednie gatunki. Nie udaje, że osądza, ani nie wydaje absolutnych sądów. Skupia się na relacjach między postaciami i ukazuje społeczeństwo w stanie ciągłych zmian.

6- Kostiumy i makijaż

To elementy, które służą do charakteryzowania aktorów przy odtwarzaniu postaci.

Szatnia

Odnosi się do odzieży i akcesoriów noszonych na scenie przez aktora lub performera. Starożytni Grecy byli pionierami w opracowywaniu specjalnych kostiumów dla każdej postaci, sztuka ta służyła ożywieniu średniowiecza i reprezentowała wielkiego markiza dworu.

Makijaż

To użycie kosmetyków do zmiany wyglądu fizycznego aktora w celu dostosowania jego wyglądu do określonej roli lub skompensowania efektów oświetlenia scenicznego.

Sztuka makijażu została zrewolucjonizowana przez wprowadzenie oświetlenia elektrycznego i gazowego i stała się praktyką wysoce techniczną.

7- Efekty świetlne i dźwiękowe

Rozmieszczenie, intensywność i kolor świateł, a także efekty dźwiękowe pomagają reżyserowi przekazać atmosferę, nastrój lub uczucie w scenie.

Oświetlenie uznano za ważną cechę produkcji teatralnej, kiedy po raz pierwszy w renesansie wystawiano we wnętrzach przedstawienia, wykorzystując świece i łatwopalne płyny.

Kluczowe innowacje w technologii oświetleniowej obejmowały wprowadzenie lamp podłogowych, zastosowanie odbłyśników w celu zwiększenia intensywności wiązek światła oraz przyciemnienie światła w audytorium w 1876 roku.

Rozwój oświetlenia gazowego na początku XIX wieku stanowił znaczący postęp pomimo związanego z tym niebezpieczeństwa. Zastosowanie oświetlenia elektrycznego rozpoczęło się w California Theatre w San Francisco w 1879 roku.

Dzisiejsze systemy oświetleniowe w nowoczesnych kinach są sterowane za pomocą wysoce wyrafinowanych komputerowych tablic rozdzielczych, które mogą koordynować oświetlenie całego systemu. Inne najnowsze innowacje obejmowały eksperymenty ze światłem ultrafioletowym, laserami i holografią.

Efekty dźwiękowe to dźwięki towarzyszące scenie w sztuce, które mogą być wytwarzane przez komputery lub aktorów na scenie i poza nią.

8- Dyrektor

Jest osobą odpowiedzialną za całość produkcji i koordynację działań artystów. Praca reżysera ma kluczowe znaczenie dla produkcji sztuki, ponieważ to reżyser wyznacza wizję spektaklu wszystkim zaangażowanym.

Reżyser ma ambitne zadanie złożenia wielu skomplikowanych elementów spektaklu: scenariusza, aktorów, kostiumów, oświetlenia, dźwięku i muzyki w jedną całość. Aby wykonać to zadanie, menedżer potrzebuje:

• Zinterpretuj skrypt.
• Współpracuj z projektantami.
• Planuj próby.
• Pokieruj aktorami w ich pracy podczas prób.

Praca reżysera często opiera się na szczegółowym studium i analizie edytowanego scenariusza. Wiele uważnych lektur scenariusza pomaga reżyserowi w indywidualnym spojrzeniu na intencje dramatopisarza. Twoja percepcja wpłynie na każdy aspekt produkcji.

Reżyserzy badają również postacie w scenariuszu, zbierając jak najwięcej informacji o ich cechach fizycznych i psychicznych, co jest niezbędne przy wyborze obsady.

9- Słuch

Źródło: Prosperoproducciones via Wikimedia Commons)

Grupa ludzi, którzy widzą pracę. Wielu dramaturgów i aktorów uważa publiczność za najważniejszy element teatru, ponieważ cały wysiłek włożony w napisanie i wykonanie spektaklu ma na celu zadowolenie widza.

Ponieważ w teatrze tłumacze są w bezpośredniej obecności publiczności, generowany jest cykliczny przepływ energii, aktor oddziałuje na widza i odwrotnie. Efekt ten potęguje fakt, że teatr jest wydarzeniem społecznym.

Doświadczenie grupowe jest niezbędne, ponieważ grupa wzmacnia emocje jednostki i tworzy zbiorową świadomość. Kiedy grupa osób reaguje podobnie do tego, co dzieje się na scenie, ich relacje z innymi zostają potwierdzone i wzmocnione.

Stopień oddzielenia obsady od widza odróżnia teatr konwencjonalny od teatru partycypacyjnego.

W pierwszej publiczność wykorzystuje swoją wyobraźnię do uczestniczenia w spektaklu, jednocześnie odrywając się od akcji. W drugim aktorzy wchodzą w interakcję z publicznością, starając się podążać za ustalonym i zaimprowizowanym scenariuszem, kładąc nacisk na rozwój osobisty lub terapię grupową.

W teatrze widzowie proszeni są o zaakceptowanie wielu rodzajów wyimaginowanych światów. Jednym ze sposobów rozróżnienia tych wyimaginowanych sfer jest podzielenie ich na tak zwany teatr realistyczny i nierealistyczny.

Realizm, który stał się dominującą formą teatru europejskiego końca XIX wieku, stara się odtworzyć życie na tyle dokładnie, że widz zakłada, iż musi to być życie. Z drugiej strony nierealizm to próba wyjścia poza obserwowaną rzeczywistość i przedstawienia tej części życia, która istnieje w umyśle.

Jednak błędem jest zakładanie, że te dwa podejścia wykluczają się wzajemnie. Większość przedstawień scenicznych zawiera mieszankę elementów realistycznych i nierealnych.

10- Scenografia

Służy do odtworzenia środowiska, w którym toczy się akcja, scenografia ma następujące cele:

• Ustaw ton i styl produkcji.
• Ustal czas i miejsce.
• Odróżnij realizm od nierealizmu.
• Skoordynuj krajobraz z innymi elementami.
• Radzić sobie z ograniczeniami przestrzeni scenicznej i poza sceną.

Wszystkie te cele są podejmowane podczas wielu spotkań między reżyserem, scenografem i zespołem projektowym. Później pomysły znajdują odzwierciedlenie w szkicach, które po poprawkach, analizach i modyfikacjach pozwalają na opracowanie scenografii, która najlepiej pasuje do historii i wizji twórców.

Po zakończeniu tego etapu projekty są przekazywane dyrektorowi technicznemu, który wykonuje niezbędne konstrukcje, regulacje i instalacje na scenie w celu materializacji planowanej.

11- Etap

To sprzęt teatralny, taki jak zasłony, podłogi, tła czy platformy, jest używany w spektaklu dramatycznym.

12- Rekwizyty

Źródło: Martinbayo przez Wikimedia Commons)

Istnieją różne kategorie rekwizytów. Wiele podręcznych rekwizytów pochodzi ze scenariusza i są elementami wymaganymi przez reżysera. Scenograf zazwyczaj prosi również o rekwizyty scenograficzne, takie jak meble, które pojawiają się na scenie, czasami istnieje cienka linia podziału między tego typu rekwizytami a scenografią.

Rekwizyty to wszelkie ruchome przedmioty, które pojawiają się podczas występu, z wyłączeniem kostiumów i sceny. Są to przedmioty, którymi manipuluje jeden lub więcej aktorów. Między innymi książka, pistolet, kieliszek wina.

13- Dz

Źródło: Martinbayo przez Wikimedia Commons)

Stanowią ważny podział w rozwoju sztuki. Większość sztuk z okresu elżbietańskiego do XIX wieku została podzielona przez dramatopisarzy lub późniejszych redaktorów na pięć aktów.

Pod koniec XIX wieku wielu pisarzy zaczęło pisać sztuki czteroaktowe. Obecnie jeden, dwa i trzy akty to najpopularniejsze gry.

14- Teatry (budynek)

To przestrzeń, w której spotykają się aktorzy lub publiczność. Istotne jest, aby mieć miejsce, w którym artysta, performer, komunikuje się z żywą publicznością.

Budynki teatralne ewoluowały od amfiteatrów Greków i Rzymian na świeżym powietrzu do niesamowitej różnorodności form, które widzimy dzisiaj. To przestrzeń wspierająca emocjonalną wymianę między obsadą a publicznością.

15- Konwencja

Źródło: Alain Chaviano via Wikimedia Commons)

Konwencja teatralna jest praktycznym narzędziem używanym przez dramatopisarza lub reżysera do opowiedzenia historii sztuki w teatrze. Najczęstszą konwencją teatralną jest to, że bohaterowie rozmawiają ze sobą i udają, że nie zauważają publiczności.

Często nazywana konwencją czwartej ściany lub czwartego ekranu, symuluje istnienie (niewidocznego) podziału między aktorami a publicznością.

Geneza i historyczna ewolucja teatru

Kiedy dokładnie powstał teatr, pozostaje tajemnicą. Prehistoryczni myśliwi odgrywali historie o swoich wyprawach łowieckich. Starożytni Egipcjanie wykonywali święte pieśni i tańczyli dla swoich bogów podczas ceremonii religijnych. Ale pomysł teatru jako dramatycznej rozrywki przyszedł później.

Wiadomo, że angielskie słowa określające tragedię i komedię pochodzą z języka starożytnych Greków. Chociaż Grecy nie jako pierwsi wystawiali sztuki, byli bardzo zainteresowani genezą tragedii i komedii.

W swoich pismach filozof Arystoteles i inni pisarze greccy przedstawili teorie i stworzyli hipotezy dotyczące rozwoju sztuki teatralnej.

Greckie sztuki wystawiano w teatrach plenerowych. Początkowo teatry znajdowały się na terenach otwartych, zlokalizowanych w centrum miasta lub w pobliżu zboczy. Publiczność była gotowa posłuchać i zobaczyć, jak chór śpiewa o przygodach boga lub bohatera.

Pod koniec VI wieku pne. C., struktury teatralne stały się bardziej rozbudowane. W miarę jak teatr stawał się coraz bardziej popularny i konkurencyjny wśród miast, teatry rozrastały się, a struktury mogły pomieścić jednocześnie do 15 000 widzów.

Teatr istnieje od czasu, gdy ludzie po raz pierwszy spotkali się, aby usłyszeć, jak ktoś inny opowiada historię. Przyjaciele i rodzina dzielili się obowiązkami publiczności i wykonawcy, zamieniając się rolami, o ile ktoś miał do podzielenia się historią.

Współczesny teatr może być bardziej formalny, z aktorami wyszkolonymi w odtwarzaniu historii, a wyrafinowani widzowie reagują na inscenizację, ale idea dzielenia się energią między obsadą a żywą publicznością pozostaje niezmieniona.

Bibliografia

1. Cameron, K. i Gillespie P. (1999). Radość z teatru, 5. edycja. Boston: Allyn and Bacon.
2. Columbus State University: Warunki uznania dla teatru, Deb Moore. Odzyskany z: theatre.columbusstate.edu.
3. Di Benedetto, S. (2012). Wprowadzenie do projektowania teatru. Oxon, Routledge.
4. Northern Virginia Community College: Wprowadzenie do teatru dr Erica W. Trumbulla. Odzyskany z: novaonline.nvcc.edu.
5. Wilson, E. (2010). Doświadczenie teatralne. Nowy Jork, McGraw-Hill.
6. Wolf, L. (2012). Wprowadzenie do teatru: podejście bezpośrednie. Bloomington, Xlibris Corporation.