CO TO JEST ABSTRAKCJA ORGANICZNA? - SZTUKA - 2025

Abstrakcja organiczna jest subtendencia abstrakcji przeciwieństwie do sztuki figuratywnej był wielki trend w połowie XX wieku. Charakteryzował się schematyzacją form bez uciekania się do przedmiotu, zastępując go formami nieokreślonymi i / lub niejednoznacznymi.

Niektóre z tych sub-nurtów abstrakcji były abstrakcją geometryczną zapoczątkowaną w Paryżu w 1912 r. Na wystawie kubistów; nieorganiczna abstrakcja lub nieformalizm i organiczna abstrakcja, która pochodzi z form obecnych w naturze, abstrahując je i syntetyzując.

Pojęcia dotyczące abstrakcji organicznej

Znana jest również jako abstrakcja biomorficzna, ponieważ jej główną cechą jest to, że przekłada ją na sztukę przybiera naturalne formy.

„Abstrakcja” dosłownie oznacza „nie figuratywny”. Polega ona na rozbiciu poszczególnych obrazów i zastąpieniu ich znaczeniami, które nadaje im sam autor.

„Organiczne” odnosi się do przedstawień podobnych do występujących w naturze, takich jak zakrzywione kształty, zaokrąglone figury lub wygładzone figury geometryczne, z kilkoma prostymi liniami lub ostrymi kątami.

Abstrakcja organiczna była ściśle związana z nurtami surrealistycznymi i egzystencjalistycznymi i przejawiała się we wszystkich artystycznych wypowiedziach XX wieku.

Chociaż swój szczyt osiągnął w latach czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku, przejawy tego stylu przejawiają się od początku wieku, również do lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XX wieku.

Cechy abstrakcjonizmu organicznego, takie jak obecność gładkich i falistych linii, wyeksponowanie przyrody, nieregularne kształty i swobodne pociągnięcia, są zasadami, które można przenieść, ponieważ w rzeczywistości zostały przeniesione na każdą inną artystyczną manifestację czasu, taką jak literatura. i teatr.

Abstrakcja organiczna miała u Joana Miró, Jeana Arpa, Isamu Nuguchi, Henry'ego Moore'a i innych, swoich najważniejszych przedstawicieli, zarówno w malarstwie, jak i rzeźbie, z obfitymi dziełami o nieregularnych objętościach i krzywiznach.

W architekturze ta ekspresja artystyczna zaczęła się rozwijać w pierwszej połowie XX wieku. Architektura organiczna poszukuje i wyraża harmonię między człowiekiem a jego naturalnym środowiskiem; stara się zintegrować miejsce z budynkami, meblami i tym, co je otacza, aby przekształcić wszystko w jedną całość.

Pojęcie organiczności jako imitacji natury było obecne od czasów prehistorycznych; Jednak wyrażenie „architektura organiczna” na określenie budynków zostało po raz pierwszy użyte przez amerykańskiego architekta Louisa Sullivana (1856–1924), a później przejął je i promował jego rodak i uczeń, architekt Frank Lloyd Wright (1867–1959 ).

Główne wykładniki abstrakcji organicznej

Joan Miró (1893-1983)

Był katalońskim artystą plastycznym, który wchłonął cały nurt abstrakcjonizmu, mieszkając w Nowym Jorku w latach czterdziestych XX w. Jego stałą cechą była ucieczka przed akademizmem i szufladkowanie w określony nurt.

We wszystkich jego pracach malarskich silnie bije organiczne uczucie. Większość jego prac została wykonana na papierze i ceramice, a także ryciny i rzeźby z brązu, wśród których wyróżniają się „Kobieta i ptak”, „Księżycowy ptak” znajdujący się w Muzeum Reina Sofía w Madrycie oraz „Butelka Kobieta” znajdująca się w Park Kultury Viera y Clavijo w Santa Cruz de Tenerife.

Henry Moore (1898-1986)

Był angielskim rzeźbiarzem znanym z abstrakcyjnych dzieł postaci ludzkiej wykonanych z marmuru i brązu.

Wyróżniają się te, które odtwarzają figurę kobiecego ciała, takie jak „West Wind” (1929), wyrzeźbiony w kamieniu portlandzkim - zainspirowany postacią Chac Mool w Chichén Itzá i rzeźbami Michała Anioła w Kaplicy Medyceuszy - i rzeźba z brązu „Die Liegende” znajdująca się w przestrzeni publicznej w Stuttgarcie w Niemczech.

Jean Arp (1886-1975)

W tej samej pracy łączy automatyzm i techniki snu, rozwijając ikonografię form organicznych, które zaczęto nazywać „rzeźbą biomorficzną”, w której stara się przedstawić organiczność jako formatywną zasadę rzeczywistości.

Jedną z jego najpiękniejszych rzeźb jest „Pastor de Nubes” i jest wystawiana na otwartej przestrzeni uniwersyteckiego miasta Caracas w Wenezueli.

Isamu Noguchi (1904-1988)

Był japońsko-amerykańskim rzeźbiarzem i projektantem. Jedna z jego prac, wykonana ze stali nierdzewnej, wygrała ogólnopolski konkurs na dekorację pawilonu Associated Press w nowojorskim Rockefeller Center w 1938 roku.

Później wykonał prace plenerowe, zaprojektowane zgodnie z estetycznymi zasadami ogrodów japońskich, gdzie położenie każdego elementu odgrywa decydującą rolę w uzyskaniu integralnej równowagi krajobrazu.

Dla Noguchiego drzewa były bardzo ważne w jego pracy i życiu, do tego stopnia, że ​​w jego pracowni i tam, gdzie pod koniec swoich lat zainstalował swoje muzeum, układ budynku był określony przez lokalizację wcześniej istniejących drzew.

Juan Soriano (1920–2006)

Był meksykańskim plastykiem, którego talent dał się poznać od najmłodszych lat. W latach pięćdziesiątych podróżował do Europy, gdzie utrwalił się jego styl liryczny.

Do jego najważniejszych dzieł malarskich należą „María Asúnsolo en Rosa” i „Apolo y las musas”, a na płaszczyźnie rzeźby figurki ptaków, takie jak „La Paloma” (w Muzeum Sztuki Współczesnej w Monterrey w Meksyku) ”, Kaczka ”i„ Ptak o dwóch twarzach ”.

Barbara Hepworth (1903-1975)

Była brytyjską artystką plastyczną, na którą duży wpływ wywarła twórczość Henry'ego Moore'a; W nowatorski sposób pracował z tradycyjnymi materiałami, przywiązując szczególną wagę do ich naturalnych właściwości.

Charakteryzowały się rzeźbami z kamienia i drewna z otworami lub dziurami, takimi jak „Kula z formą wewnętrzną” i „Skrzydlata figura”.

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Był inżynierem budownictwa, który zaczynał jako kreślarz w pracowni Louisa Henri Sullivana, który miał decydujący wpływ na jego przyszłą karierę.

To on wprowadził pojęcie architektury organicznej, w której konstrukcja musi wywodzić się bezpośrednio ze środowiska naturalnego. Niektóre z jego charakterystycznych dzieł to Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku (USA) i Imperial Hotel w Tokio (Japonia).

Constantin Brancusi (1876-1957)

Był rumuńskim rzeźbiarzem uważanym za pioniera modernizmu. Jego prace są dystrybuowane w muzeach we Francji, Stanach Zjednoczonych, Rumunii i Australii.

Jednym z jego charakterystycznych organicznych dzieł jest „The Column of Infinity” w Targu Jiu w Rumunii, a także „The Kiss” i „Sleeping Muse”.

Bibliografia

1. Carmen Rábanos (2010). Aktualny art. University Presses w Saragossie. Saragossa, Hiszpania.
2. Mayra Sámano Cienfuegos (2010). Wpływ architektury organicznej na style architektoniczne drugiej połowy XX wieku. Praca podyplomowa na Autonomous University of Nuevo León w Meksyku.
3. Alicia Carrera Tovar (2012). Sztuki wizualne 3. Ediciones Castillo. P.19.
4. Biografia Isamu Noguchi. Odzyskany z biografiasyvidas.com.
5. Biografia Joana Miró. Odzyskany z fmirobcn.org.
6. Eva Font Mendiola (2017). Najbardziej nieznane muzeum w Nowym Jorku. Artykuł prasowy odzyskany z witryny turismo.perfil.com.
7. Biografia Franka Lloyda Wrighta. Odzyskany z Buscabiografias.com.